EL SÉPTIMO CIELO

The End

2009-09-11T12:00:00.000+02:00

Y la película llegó a su fin. Por falta del tiempo y la logística necesarios para mantener el blog activo y en el correcto funcionamiento que se merece, se cierra esta salita de cine. Se terminó la película y llegan los títulos de crédito. Muchísimas gracias a todos los que habéis entrado al blog ya sea para leer o para comentar (en este caso enriqueciéndolo en gran medida). Si vosotros no hubiéseis estado ahí esto no habría tenido ningún sentido. Seguiré por el ciberespacio visitando vuestros blogs y comentando vuestras entradas. Sí alguna vez necesitáis algo ya sabéis que no hace falta que silbéis, me podéis mandar un email. Saludos cinéfilos y Viva el cine!!!

Tiempos modernos, Charles Chaplin, 1936

El cine como refugio

2009-09-01T13:01:00.007+02:00

Contaba Francois Truffaut que, durante toda su adolescencia, el cine fue aquel refugio donde cobijarse para huir de una realidad que le resultaba excesivamente dolorosa. Y que incluso después, cuando la vida ya le trataba mejor y hasta le sonreía, no dejó de ver en el cine ese camino que le llevaba al país de nunca jamás. Sin llegar a la experiencia extrema de Truffaut creo que todos hemos encontrado en el cine esa puerta que nos abría paso al mundo de los sueños. Que nos ha permitido vivir todo tipo de aventuras en lugares inimaginables, viajar en el tiempo desde el pasado más remoto hasta el futuro más lejano. Conocer a las mujeres más hermosas y a los hombres más maravillosos. Reír y llorar con todo tipo de historias. Como ese arcón lleno de disfraces al que correr como niños. Todos los que amamos el cine tenemos en esa butaca, en la oscuridad de la sala, ese refugio que nos acoge y nos traslada al mundo de los sueños.

Video de hafizaguncesi

El mejor cine del verano

2009-08-17T12:28:00.002+02:00

Las mejores películas que se pueden ver hoy en dia son de animación y las hace Pixar. Y nos lo han vuelto a demostrar con su última creación: Up. Película con una primera parte de cine auténtico, genuino, de verdad. Cine con mayúsculas. Cine donde sólo las imágenes acompañadas de una música maravillosa sirven para contarnos la historia de la mejor manera posible. Cine en estado puro. Y una segunda parte que se desarrolla como una divertidísima y muy entretenida película de aventuras. No se puede pedir más. No dejéis de ir a verla porque no sólo es la película del verano, probablemente sea la película del año.

Refrescando el verano

2009-08-07T12:42:00.004+02:00

Y es que lo que más apetece en un verano caluroso es refrescarse un poquito, ¿no?...

La dolce vita, Federico Fellini, 1960

Video de kochlorber

Juego de lágrimas

2009-08-03T14:00:00.004+02:00

En el muy entretenido libro Sólo para cinéfilos, el editor Richard Kelly, propone a distintos críticos, escritores, guionistas y directores, realizar las más variopintas clasificaciones cinéfilas que van desde los diez peores peinados de la historia del cine hasta diez de aquellas películas comerciales que nos gustan mucho pero que no nos atrevemos a confesar. Otra de las clasificaciones que se hacen es la de aquellas películas que nos han hecho llorar en el cine. Entre las que se proponen están Campeón, Valor de Ley, Rompiendo las olas, Centauros del desierto o La lista de Schindler. Confieso que yo no soy de llorar a moco tendido y pañuelo en ristre en el cine, aunque algunas películas me han conmovido profundamente y han llegado incluso a humedecer mis ojos. De todas las que se citan me quedo con La lista de Schindler como una de las películas que más pesar y tristeza me han producido. Tiene algunos momentos tan bien hechos, con tanta certeza de realidad, que pensar que todo aquello fue verdad todavía duele. ¿Y vosotros? Siguiendo este juego de lágrimas, ¿recordáis especialmente alguna película que os haya hecho llorar en la oscuridad del cine?

La lista de Schindler, Steven Spielberg, 1993...

Video de silencioserueda

Y John Wayne se quedó sin la chica

2009-07-27T00:00:00.002+02:00

Sólo para aquellos que hayan visto El hombre que mató a Liberty Valance, John Ford, 1962...

Sin la chica, sin la fama, sin la casa y sin la felicidad. Lo perdió todo a pesar de ser el hombre que mató a Liberty Valance. Leí una vez a un crítico que los personajes perdedores resultan mucho más fascinantes para el espectador que los ganadores. Una visión romántica que en este caso es muy cierta, puesto que el Tom Doniphon de Wayne nos cautiva mucho más que el formal, serio y afortunado personaje de Stewart, que es el que se queda con una chica que en el fondo no le quiere, una fama que en el fondo no le pertenece y una felicidad que no es tan grande como parece. Sólo un director como John Ford podía construir una película tan majestuosa para hablar del amor, del valor, de la amistad, del honor, de los sentimientos. Y sólo un actor de la categoría de Wayne podía representar con esa autoridad a un protagonista que se queda sin chica, sin fama, sin amor y sin felicidad a pesar de haber sido el hombre que mató a Liberty Valance...

Video de bluegardeniaDXC

Él nos llevó a la luna

2009-07-20T00:00:00.002+02:00

Hoy hace cuarenta años que el hombre pisó la luna. Pero muchos años antes (1902) Georges Méliès ya nos había llevado hasta allí en su famoso viaje. Méliès es una de las personalidades más fascinantes de la historia del cine. Nacido en París, muy pronto demostró una inquietud viajera y artística que le llevó a desarrollar múltiples oficios, desde reportero a dibujante, hasta acabar comprando el teatro Houdin del que era un visitante asiduo. Allí llevará a cabo sus espectáculos de teatro-ilusionismo en los que participaba como actor y director y que fundamentarán su posterior obra cinematográfica. Méliès asistirá como espectador a la histórica sesión del 28 de diciembre de 1895 donde los hermanos Lumière presentarán su invento cinematográfico. Méliès queda tan fascinado que ante la imposibilidad de comprarles la máquina construye la suya propia, con la que realizará sus películas en el teatro Houdin. Y así será como los hermanos Lumière inventan el cine, pero es Méliès el que lo convierte en una fábrica de sueños. Tenía que ser un ilusionista como Méliès el que se diera cuenta de todas las posibilidades que brindaba el nuevo invento. Todos sus trucos de mago se pusieron al servicio de sus películas convirtiéndolas en el vehículo para su fantasía desbordante. Todavía vistas hoy, sus películas conservan ese cautivador fulgor de teatro de magia. Y de todas ellas, el Viaje a la luna se convirtió sin duda en la más famosa. El monopolio de las grandes compañías arruinó su carrera y acabó regentando un pequeño quiosco de juguetes en la estación de Montparnasse, donde le encontró Druhot recuperándolo para la memoria y el agradecimiento colectivo. Bien se lo merecía el hombre que metió en su chistera la máquina de los Lumière y la sacó convertida en una gran caja de sueños.

Video de mejillahyde

Finales de película

2009-07-10T13:09:00.011+02:00

Quien no haya visto El tercer hombre de Carol Reed, que no siga leyendo...

Pocas películas tienen un final tan abrumador como esta. Un final que pasa de ser feliz a desconcertante en el último plano. Joseph Cotten (uno de los actores más elegantes que haya habido nunca) esperando que llegue Alida Valli ante la mirada escéptica de Trevor Howard. El plano fijo en una perspectiva infinita en la que ella se acerca desde el cementerio donde acaban de enterrar a Harry Lime (Orson Welles como uno de los malos más malos y a la vez más hechizantes de la historia del cine). Todo ello adornado con la fabulosa música de la cítara de Anton Karas. Y cuando nos estamos preparando para el reconfortante final donde el chico (y más si es Joseph Cotten) se queda con la chica, Alida Valli pasa de largo dando uno de los más rotundos plantones que hayamos visto nunca. No les vemos los rostros de cerca pero los gestos nos lo dicen todo. Nos llega la sorpresa, el desencanto y la resignación con la que Cotten se enciende ese último cigarrillo y la altivez y el orgullo con el que Alida desaparece por delante de la cámara. Decía un crítico que sólo las grandes películas tienen grandes finales y aquí nos queda muy claro que estamos ante uno de los mejores.

El tercer hombre, Carol Reed, 1949

Video de pencilpusher30

Amar el cine

2009-07-03T00:00:00.002+02:00

"Los chavales de mi barrio éramos unos privilegiados. Teníamos el Retiro a un metro, como Méliès la luna, y todos los cines del mundo. Narváez, Ibiza, Sainz de Baranda, Salamanca, Tívoli, Alcalá, Argel, Becerra, Universal, Ayala, Alcántara... Era tanto como tener el mercurio de la vida en la palma de la mano. También en Madrid había otros cines, de reestreno, de barrio, con terraza de verano, cines mañaneros... Fuí a todos. Guardé las entradas de todos. Todas aquellas salas, por tres pesetas, por dos pesetas,te ponían el mundo en las manos y barrían la soledad de tu alma. Las ciudades con cines apenas necesitan ir al psiquiatra. Las ciudades con cines viajan siempre a través del tiempo y se mueren menos. Y una última cosa. Hace un millón de años, cuando yo era pequeño, aunque los cines hubieran echado el cierre y apagado sus luces tras la última sesión, toma nota: pasar de madrugada junto a la más humilde sala de barriada te daba seguridad, sentías cobijo y amor. Cerca de un cine no podía pasarte nada malo."

José Luis Garci, Sólo para mis ojos, Notorius ediciones y Nickelodeón dos, 2009.

Cinema Paradiso, Giuseppe Tornatore, 1989...

Video de cleberre

Se mueren los recuerdos

2009-06-26T22:02:00.008+02:00

La película de nuestras vidas está compuesta básicamente de todos los recuerdos que vamos guardando. Recuerdos de personas, situaciones, músicas, escenas de películas, etc.. Michael Jackson formaba una parte importante de la película de muchos de los que fuimos niños en los ochenta y que crecimos pasando mucho miedo con los zombies de Thriller, o nos quedamos asombrados con su extraordinaria forma de bailar, con todo ese catálogo de gestos característicos (¿quién no ha imitado alguna vez delante del espejo su famoso moonwalk?), y nos hechizó su pop heredero de aquel viejo sonido Motown. Su posterior deriva personal hacia el delirio desdibujó su persona pero no consiguió quitarle un ápice de fulgor como estrella de la música. El video de Thriller, dirigido por John Landis, ha sido sin duda el mejor videoclip de la historia de la música y merecería pasar a las antologías del mejor cine de terror aunque sólo dure diez minutos. Su aventura con el cine llegó en Moonwalker, Jerry Kramer, 1988, un documental-musical que nos descubría toda la esencia del artista que a partir de ese mismo momento se convertía en el rey del pop. Esta mañana la noticia de la muerte de Jackson nos dejaba un tremendo estupor y una infinita tristeza. La misma que te queda cuando ves que aquellas cosas que constituían los recuerdos de tu vida ya no están o se han perdido. Decía un escritor que la vida es como un camino en el que nos vamos muriendo poco a poco según se mueren nuestros recuerdos. Hoy Michael Jackson ya sólo está vivo en nuestro recuerdo, aunque su música ha sido tan importante para tantos de nosotros que sigue estando más viva que nunca.

Moonwalker, Jerry Kramer, 1988...

Video de billiejeanboy

Encadenados a un beso

2009-06-19T20:48:00.005+02:00

Comentaba Ariodante, en relación al video de homenaje a Hitchcock del post del suspense, que entre todas las imágenes que aparecían de las películas del maestro, echaba de menos el beso de Cary Grant e Ingrid Bergman de la película Encadenados. Y la verdad es que sí. Porque los besos de las películas de Hitchcock son especialmente significativos, sensuales, acariciados, con diálogo (esto lo hacía según contaba para burlar las censuras, si los personajes estaban hablando era más difícil cortar las escenas). Esos besos envolventes con el movimiento de la cámara demostraban que Hitchcock no sólo tenía talento para hacernos estremecer, sino que también lo tenía para hacernos partícipes de los besos más sugerentes que se hayan dado en el celuloide. Y de todos ellos, el que encadenó a Cary Grant e Ingrid Bergman posiblemente sea el mejor...

Video de golemmingsgo

Felicidades Mister Berlanga

2009-06-12T09:49:00.010+02:00

Hoy cumple años uno de los nombres capitales del cine español: Luis Garcia Berlanga. Uno de los mayores protagonistas de nuestra historia cinematrográfica. En todas las listas que se han hecho de las mejores películas patrias, Berlanga siempre es el que más aporta. Bienvenido Mister Marshall, El verdugo, Plácido, Calabuch, Los jueves, milagro o La escopeta nacional son buena muestra de ello. La genial pareja que compuso con el guionista Rafael Azcona alcanzó las mayores cotas de ironía y mordacidad vistas en una pantalla de cine. Su mente lúcida e inteligente supo retratar con extraordinaria brillatez la sociedad y realidad de una o de varias épocas de nuestra historia. Él sí se merece el recibimiento y la fiesta que nunca tuvieron los americanos que no pararon en Villar del Río. Bienvenido siempre, Mister Berlanga!...

Bienvenido Mister Marshall, Luis G.Berlanga, 1952...

Video de Kolpeper

FILMOGRAFÍA
1952 Esa pareja feliz, Codirigida con Juan Antonio Bardem.
1953 Bienvenido, Mister Marshall
1954 Novio a la vista
1956 Calabuch
1957 Los jueves, milagro
1961 Plácido
1963 Las cuatro verdades, episodio La muerte y el leñador.
1963 El verdugo
1967 Las pirañas
1969 ¡Vivan los novios!
1974 Tamaño natural
1977 La escopeta nacional
1981 Patrimonio nacional
1982 Nacional III
1985 La vaquilla
1987 Moros y cristianos
1993 Todos a la cárcel
1999 París Tombuctú

El cine como un estado de ánimo

2009-06-05T10:32:00.006+02:00

"Hay algo sorprendente: cuando reflexiono sobre todas mis películas, me llama la atención que, en las épocas en que estuve deprimido hice comedias. Y cuando me sentía feliz, rodé temas más bien trágicos. Quizás intente inconscientemente compensar cada uno de mis estados de ánimo"

Billy Wilder

Video de ForoLoQueYoTeDiga

El día que nació Marilyn

2009-06-01T23:35:00.004+02:00

El 1 de junio de 1926 nacia Marilyn Monroe en Los Ángeles, California. Desde ese momento estaba llamada a convertirse en uno de los mitos del cine y del sigo XX. Seguramente es la actriz cuya imagen ha sido más vista y reproducida. Y detrás de esa imagen una carrera cinematográfica con sus días de vino y de rosas, levantada con mucho esfuerzo y sobre toneladas de infelicidad personal. Fue la más deseada, la más envidiada y la más compadecida. Dicen que dijo que en su vida había tenido más días tristes que felices. Lo que hizo fue prestarnos esa felicidad a todos los que nos enamoramos de su sonrisa, de su mirada con ese punto de ingenuidad y tristeza, de su maravilloso esplendor cada vez que llenaba la pantalla de todas las películas donde salía. Gracias Marilyn, por prestarnos tanta felicidad...

(Con faldas y a lo loco, Billy Wilder, 1959)

Video de MsMonroe03

Claudia en el Retiro

2009-05-29T10:25:00.007+02:00

Hoy todos los cinéfilos mitómanos irredentos nos hemos quedado cegados ante el esplendor de la gran Claudia Cardinale, que se ha pasado por la Feria del Libro de Madrid para presentar su libro Mi Túnez. La inmortal protagonista de Rocco y sus hermanos, La chica de la maleta, Ocho y medio, El Gatopardo, El fabuloso mundo del circo o Hasta que llegó su hora nos ha demostrado que las divas que recordamos como estrellas de un maravilloso cine de ayer siguen brillando con la misma intensidad aún a día de hoy.

"No soñaba con el cine. Cuando me preguntaban lo que quería hacer en mi vida, contestaba que exploradora, ¡una vocación a la altura de mi curiosidad y de mi necesidad de moverme! En todo caso, no planeaba irme de Túnez. La gente de Unitalia vino a buscarme para llevarme a Cinecittà y esta partida cargada de emoción es un recuerdo que se me quedó grabado para siempre. Dejaba mi vida, mis costumbres, mi cultura. El último dia, todos los vecinos vinieron a felicitarme. Cada uno me llevó un recuerdo, querían besarme, abrazarme, desearme suerte. Al final, me convertía un poco en la exploradora que soñaba ser cuando era niña, la que se iba a descubrir nuevos horizontes, el pájaro que levantó el vuelo sin olvidar donde estaba su nido"

Claudia Cardinale

¿Puede un hombre bueno ser malo?

2009-05-25T20:42:00.007+02:00

Esta es la pregunta que nos plantea la última película interpretada por Viggo Mortensen que tenemos en nuestras carteleras, Good. ¿Puede un ciudadano normal, un hombre aparentemente bueno convertirse en un hombre malvado por su toma (o no) de decisiones, por su hacer o no hacer, por su falta de carácter, por su no atrevimiento? ¿Es tan fácil (o difícil) tomar siempre la decisión correcta o la postura adecuada? ¿A veces el hecho de dejarse llevar desemboca en una serie de acontecimientos imprevisibles, terribles y sin retorno? ¿Podemos siempre cambiar las cosas? Afirma el director, el brasileño-austriaco Vicente Amorim, que "Good es una historia con mensaje. Los personajes son personas llenas de curiosidad, encantadoras, imperfectas, con las que podemos identificarnos. Acaban aprendiendo que absolutamente todo lo que se hace en esta vida tiene consecuencias". Una película con muy buena factura y espléndidas interpretaciones, y sobre todo con la capacidad de hacernos pensar al salir del cine, de dejarnos preguntas para contestar. Algo difícil de encontrar en las carteleras actuales: sin duda recomendable.

Video de lahigueranet

GOOD
Reino Unido & Alemania. 2008.
Good Films & Miromar Entertainment
Director: Vicente Amorim
Productores: Cecil Philip Taylor, Miriam Segal, Sarah Boote, Billy Dietrich, Kevin Loader, Dan Lupovitz, John Wrathall.
Fotografía: Andrew Dunn
Diseño de producción: Andrew Laws
Montaje: John Wilson
Vestuario: Györgyi Szakács
Música: Simon Lacey
Casting: Jeanne McCarthy
Reparto: Viggo Mortensen, Jason Isaacs, Jodie Whittaker, Mark Strong, Steven Mackintosh, Gemma Jones, Anastasia Hille, Ruth Gemmell, David De Keyser.
Color. 96 minutos.

Benedetti en el cine

2009-05-22T00:07:00.004+02:00

Un escritor de palabras tan hermosas, no podía pasar sin dejar su huella en el material del que están hechos los sueños, el cine...

El lado oscuro del corazón, Eliseo Subiela, 1989

Video de Poetanocturno30

Matar a Bogart

2009-05-18T22:57:00.006+02:00

"Aprendí muy pronto que no se podía matar a Clark Gable o a Errol Flynn. Pero cuando matábamos a Cagney y a Bogart, al público y a la taquilla le encantaba"

Raoul Walsh

Y eso fue así durante los años treinta, cuando Bogie completaba repartos como un estupendo actor secundario en multitud de películas de gangsters (algunas maravillosas como Ángeles con caras sucias o Los violentos años veinte), pero a partir de los cuarenta, desde que su amigo John Huston le hiciera encarnar a Sam Spade en El halcón maltés convirtiéndolo en un actor protagonista dueño y señor de la pantalla, ya nadie se atrevió a matar a Bogart en una película. A partir de ese momento Bogey cimentó su leyenda y desplegó todo el carisma que le hizo pasar a la categoría de mito. Bogart está en ese olimpo donde se encuentran aquellos actores que traspasaron su dimensión artística para convertirse en iconos. Algunas de las mejores películas rodadas tuvieron la suerte de contar con sus gestos, sus cejas arqueadas, su cigarrillo suspendido en las comisuras de los labios y su mirada de estar de vuelta de todo en la vida. Sólo él fue capaz de irse a tomar las aguas al desierto, de silbarle a Lauren Bacall o llevarse a Katharine Hepburn a recorrer un rio de África. Dijo John Huston en su funeral una tristísima mañana de un invernal día de enero: "No tenemos motivos para compadecerlo; sí a nosotros mismos por haberlo perdido porque nadie nunca podrá reemplazarlo"...

Video de BlauweBarry

Son aquellas pequeñas cosas...

2009-05-09T12:00:00.004+02:00

"Aunque no era un juego, lo que más placer me causaba era el momento del baño. Mi abuela me colocaba desnudo dentro de un barreño con agua tibia en el centro del cuarto, me enjabonaba, me lavaba y luego, con una regadera, me rociaba con una ducha refrescante que me hacía reír de manera incontenible. Pero más me reía aún cuando poco después, tras devolverme mi abuela, ya bien seco, a la cama y cubrirme con la sábana, yo me ocultaba con ella desde los pies a la cabeza y mi abuela, creyendo que su nieto había desaparecido, me buscaba desolada por toda la habitación. ¡Qué esfuerzos tenía yo que hacer para contener la risa! ¿Cómo mi abuela era tan torpe que no sabía que yo estaba en la cama? Pero, claro, como estaba yo muy bien escondido, no podía encontrarme. Hasta que yo me destapaba y ella corría hacia mí y me abrazaba y yo me moría de risa entre sus brazos, por el susto que le había dado. No sabía entonces que habría de perder más de media vida tratando de volver a encontrar momentos de felicidad como aquéllos..."

Fernando Fernán-Gómez, "El tiempo amarillo", Península, 2006.

... La lengua de las mariposas, José Luis Cuerda, 1999

Video de izquierdajoven

El cine como provocación

2009-05-06T23:21:00.003+02:00

El cineasta austríaco Michael Haneke se ha convertido en uno de los grandes provocadores del cine más reciente. Dedicado al teatro y a la televisión su obra cinematográfica no es demasiado grande, pero en sus películas ha sido capaz de soltar un buen puñetazo en el sosiego del espectador dejándolo noqueado. "Quiero sacar al espectador de su cómodo lugar, agitarle, involucrarle en la película. Quiero provocar, acabar con el lenguaje convencional, con las reglas clásicas". Y vaya si lo consigue. Desde su primer éxito Benny's video, hasta sus más conocidas obras, Funny Games y La pianista, el público queda sobrecogido por este perverso cineasta que derriba la "cuarta pared", esa frontera imaginaria del espectador con la ficción, para agarrarnos por las solapas y zarandearnos sin que tengamos ocasión de poder evitarlo. Sus reflexiones sobre la violencia, la televisión, la sociedad moderna son tan críticas como implacables. Haneke, es uno de los directores cinematográficos que ha conseguido generarme más desasosiego y dejarme dentro esa sensación de inquietud y agitación que él pretende. Una obra que puede resultar dura y a la que hay que acudir pertrechado y sabiendo lo que te espera, pero sin duda una obra muy interesante de descubrir. Os dejo el trailer de la primera versión de sus "juegos divertidos"...

Video de smr03

FILMOGRAFÍA
1989 El séptimo continente
1992 Benny's Video
1994 71 fragmentos de una cronología del azar
1997 Funny Games
1997 El castillo
2000 Código desconocido
2001 La pianista
2003 El tiempo del lobo
2005 Escondido
2007 Funny Games (remake americano)

Bon anniversaire

2009-05-03T07:00:00.001+02:00

A veces nos parece que cumplir años es una lata y una mala noticia, pero es al contrario. Hay que considerarlo como un momento feliz. Porque si pensamos en todo aquello que hemos vivido desde la última vez que soplamos las velas hay muchos buenos recuerdos para disfrutar. Además la vida es como una película de la que somos los directores y nos reservamos lo mejor para lo que nos queda por llegar...

¡¡Felicidades Raquel!!

(master & commander, peter weir, 2003)

Video de mhzr10

El futuro sería muy aburrido sin suspense

2009-04-30T00:31:00.000+02:00

"En la vida, si supiéramos el resultado final de todo perderíamos casi todo el gusto de vivir. ¿Qué tendría de divertido ir a ver un partido de béisbol si supieras qué equipo va a ganar? ¿Para qué ir a pescar si sabes que vas a atrapar (o no) un pez? El atractivo de lo desconocido reside precisamente en que es misterioso. La vida resultaría aburrida si supiéramos lo que va a ocurrir mañana, pero además sería terrible. ¿Recuerdan la historia del rey que se hizo amigo de un mago que le concedió dos deseos? Su primer deseo fue ver todo el futuro. Pero cuando el rey vio el dolor, la miseria y la muerte junto a las cosas hermosas que le esperaban, pidió inmediatamente su segundo deseo: que el futuro volviera a quedar oculto. No sabía que tenía el don más grande de todos. El don de un futuro desconocido. Sin él no habría nada que esperar; peor aún, nada que desear. De nosotros depende cómo lo vivamos. Podemos vivir en un estado de continua ansiedad sobre el futuro, siempre temiendo que al final acabe ganando el malo. O podemos utilizar el don de manera creativa; ayudar a vencer al bueno. En otras palabras, podemos vivir en un estado de desesperación crónica o podemos vivir con fe en el futuro, aunque esté oculto a nuestra vida. Y es que las cosas serían muy aburridas sin suspense..."

Alfred Hitchcock

pues si lo dice el maestro...

Video de calledkidblast

Un bello cuento de miedo

2009-04-22T00:50:00.003+02:00

Él tiene doce años y está practicamente solo. Ella también tiene doce años aunque lleva viviendo muchos más. Está sóla. No tienen amigos. No tienen afectos. Se encuentran, se necesitan, se quieren. "Tengo que marcharme para seguir viviendo, si me quedo me moriré" le dice ella. Él la necesita para seguir vivo. Una historia de vampiros, llena de nieve, de frío y de soledad. Pero sobre todo una historia de amor. Una de las películas más perturbadoras y fascinantes de los últimos tiempos. No dejéis de verla...

Video de cinedelbueno

Imágenes en la retina

2009-04-16T12:40:00.004+02:00

Hay escenas de películas que se te quedan clavadas de manera perenne en la retina. Y una de ellas pertenece a la película de Fritz Lang, Los Sobornados, de 1953. En ella, Lee Marvin (pocos actores han hecho tan buenos malos como él) discute con Gloria Grahame y termina arrojándola café hirviendo sobre su rostro. Sin duda una de las imágenes más recordadas del cine negro (quizás junto a Richard Widmark lanzando a una paralítica con su silla de ruedas por las escaleras). La primera vez que la ví ya se me grabó a fuego y las veces siguientes aún no había perdido un ápice de impacto sobre mi retina. Forma parte de una de las grandes películas que Lang rodó en Estados Unidos. Una película llena de gestos, de comportamientos, de personajes y de sentimientos. Un hito del cine negro que el maestro alemán moldeó con el talento y la precisión de la que sólo él era capaz. No contento con inventar el cine en su etapa alemana, lo reinventó en su etapa americana. Decía Truffaut del estilo de Lang que cada plano, cada movimiento de la cámara, cada fotograma, cada movimiento de los actores, cada gesto está decidido y es inimitable. Desde luego nos dejó imágenes inimitables grabadas en la retina...

Video de AnthonyAmmo

Una historia de tiempos de Cristo

2009-04-10T20:52:00.004+02:00

"Fue uno de los retos: retratar a Cristo. Asusta un poco, pues quiza es el mejor hombre que haya habido. Dispuse sus escenas de tal forma que sólo se le veía por detrás y las reacciones de los demás ante él. Uno cree que le ve, que oye su voz... pero en realidad no es así"

William Wyler

Video de FrAnkyYaLE

El compositor de las melodías más bellas

2009-04-06T15:08:00.005+02:00

Ese era Maurice Jarre. Algunas de las bandas sonoras más maravillosas que conocemos se deben a él. Él supo encontrar la música perfecta para el desierto de Arabia, las nieves de Rusia o los paisajes de la India. Dicen los sabios que la música nos hace mejores. Desde luego el cine no habría sido tan bueno y tan bello sin su música.

Vídeo de tutv1980

FILMOGRAFÍA ESCOGIDA

1962 - El día más largo
1962 - Lawrence de Arabia
1963 - Sundays and Cybele
1963 - La persecución
1964 - Behold a Pale Horse
1965 - El coleccionista
1965 - Anna Kauffman
1965 - Doctor Zhivago
1966 - Los profesionales
1966 - ¿Arde París?
1967 - La noche de los generales
1967 - Barbarella
1968 - La caída de los dioses
1968 - El póker de la muerte
1968 - El hombre de Kiev
1969 - Topaz
1970 - La hija de Ryan
1970 - Sol rojo
1972 - El juez de la horca
1973 - El hombre de Mackintosh
1973 - Grandeur nature
1973 - Miércoles de ceniza
1974 - La isla del fin del mundo
1975 - The man who would be king
1977 - El Mensaje
1977 - Jesús de Nazareth
1978 - El tambor de hojalata
1979 - El mago de Lublin
1982 - Firefox
1982 - The Year of Living Dangerously
1984 - Pasaje a la India
1984 - La gran huida
1984 - Top Secret!
1985 - Mad Max Beyond Thunderdome
1985 - Witness
1985 - Enemigo mío
1986 - The Mosquito Coast
1987 - Gaby.Una historia verdadera
1987 - No hay salida
1987 - Atracción fatal
1988 - Gorilas en la niebla
1989 - Cocktail
1989 - Dead Poets Society
1990 - Ghost
1990 - Jacob's Ladder
1990 - El cielo se equivocó
1992 - La sombra del lobo
1992 - Solar crisis
1992 - Fuegos internos
1993 - Mr. Jones
1994 - Fearless
1995 - Un paseo por las nubes
1997 - El día y la noche
1999 - Sunshine
2000 - Soñé con África
2001 - In Love with the Desert
2001 - Rebelión en Polonia

¿Y si mañana fuéramos más jóvenes?

2009-03-29T23:01:00.013+02:00

"Me inspiró el cuento un comentario de Mark Twain: era una lástima que el mejor tramo de nuestra vida estuviera al principio y el peor al final"

Y con esta idea, Francis Scott Fitzgerald escribió en 1922 el relato corto "El curioso caso de Benjamín Button", una fantástica y asombrosa historia de como sería la vida dándole la vuelta al reloj. Muchas veces el cine nos ha hablado de regresiones a la infancia y a la juventud, pero sin duda esta historia de Benjamin Button tan extraordinariamente adaptada por David Fincher es el ejemplo más redondo y depurado sobre este tema. Rodada con una exquisita elegancia y una factura impecable en todos sus aspectos, está impregnada del sabor de la triste felicidad que nos deja ese instante que se pierde tan deprisa. No recuerdo que se haya representado tan bien la fugacidad del tiempo, como si dar la vuelta al reloj nos hiciera ver aún con mayor claridad que el tiempo se nos escapa de las manos con un veloz desasosiego. ¿Os imagináis? ¿Y sí mañana nos despertásemos más jóvenes?

Video de tdarriola

El pianista y el niño que fue director de cine

2009-03-22T23:11:00.005+01:00

"Esto me pasó a mí, esto lo viví. Es mi niñez, mi vida, lo que sufrí, lo que ví, lo que soy" "Fuí salvado del Umschlagplatz, el área donde los alemanes solían reunir a un gran número de gente antes de subirlos a los trenes que iban a los campos de exterminio. Un día fuí a buscar a mi padre, fuí a la parte donde agrupaban a los judíos, y entré en el infierno. En el Umschlagplatz, con miles de personas, algunas llevaban tumbadas allí veinticuatro horas o más. Otras muriéndose, otras llorando, otras andando y gritando y algunos postrados rezando... Decidí que tenía que salir de allí. Estaba vigilado por jóvenes polacos con uniforme alemán. Iba con un niño que encontré allí, más pequeño que yo, se habían llevado a sus padres y estaba allí con nosotros porque mi padre y yo decidimos cuidarle. Encontré a ese niño, y fuí con él a un lado de la plaza. Era un día soleado, y había una calle larga de unos diez metros de ancho y al final un tipo con un arma, una carabina. Le dije que no habiamos comido en todo el día y que quería ir a casa a por un trozo de pan y que volveríamos enseguida. Se nos quedó mirando y nos dijo "Iros". Cogí al niño de la mano, Stefan se llamaba, y empezamos a correr y él nos gritó "¡No corráis!". Ese tipo me salvo la vida"

Es la historia de Roman Polanski y a su vez es la historia de Wladyslaw Szpilman, el pianista del gueto de Varsovia. Por eso, cuando Polanski leyó la autobiografía de Szpilman se dió cuenta de que era su historia, le dolía tanto dentro que necesariamente tenía que hacer la película. Dijo Szpilman que cuando se dió cuenta de que había perdido a su familia, que no tenía ya nada y que lo había perdido absolutamente todo, pensar en la música le dió las fuerzas que le faltaban para sobrevivir. Polanski, desde la esperanza del niño que era, sobrevivió con el firme convencimiento de que volvería a ver a sus padres, su madre sin embargo moriría en Auschwitz. Sus historias se hacen una. Una historia donde por encima de tanto dolor, tanto llanto y tantas lágrimas, aparece el deseo de vivir. Szpilman consagró el resto de su vida a su arte, tocar el piano. Y Polanski al suyo, hacer películas. Nunca estuvo tan presente el infierno en la tierra como en aquellos años y nunca nadie lo había contado con tanta honestidad y de manera tan prodigiosa como Polanski en El Pianista (The pianist, 2002)

Video de lekaino

La risa que nos cura

2009-03-16T23:20:00.009+01:00

"Hay estudios que dicen que la risa es fisicamente saludable y que libera tensiones. Nunca me he propuesto utilizarla de esta forma a propósito, pero estoy encantado de que mucha gente sea feliz con mis películas. Incluso conozco el caso de un tipo muy importante del mundo editorial, que escribió su experiencia en un libro: se curó de enfermedades nerviosas terribles como el Parkinson viendo una y otra vez películas de los Marx, Chaplin, Buster Keaton e incluso alguna mía. Puede que no tuviera nada que ver con esto y se hubiera curado igual. Pero él, contradiciendo a los médicos, sostiene que le salvó el poder curativo de la risa"

Woody Allen

Pues no sé si nos alargarán la vida o nos curarán enfermedades, pero desde luego nos han hecho muy felices...

Video de ChaplinsViolin

You broke my heart, Fredo

2009-03-11T20:00:00.006+01:00

Es indudable que la saga del Padrino (básicamente la primera y segunda parte) de Francis F. Coppola supone un punto álgido en la historia del cine. Sus películas están llenas de momentos y escenas míticas e imborrables, de las cuales seguro que todos tendríamos para elegir un gran número de ellas. Pero es interesante que sea uno de sus legendarios protagonistas, Al Pacino, el que elija su momento preferido de entre toda la saga. Y así lo hizo en el libro de Lawrence Grobel, “Conversaciones con Al Pacino”(Editorial Belacqva. 2006) Preguntado por su escena favorita, por un momento del que se sintiera especialmente orgulloso de las películas del Padrino, respondió así:

"Hay un momento en El Padrino II. Nadie lo nota. Michael y su triste hermano Fredo están en Cuba, viendo el show de Superman en el club nocturno, y Fredo le dice a Michael. “Johnny solía traerme siempre a este lugar”. Y en ese momento ves que Michael se da cuenta de que su hermano lo ha traicionado. Éste es mi momento favorito, pero es muy sutil. Después de esa escena, al día siguiente, me llevaron al hospital por agotamiento físico. Enfermé. Trabajaba demasiado en el papel"

Como no se encuentra esa escena en youtube, pongo aquella que supone la culminación de toda esa acción que se produce en Cuba y que termina con el famoso beso de la muerte de Michael a su hermano Fredo...

Video de hawkssens

Ciudad de ángeles

2009-03-03T01:20:00.007+01:00

Berlin. La ciudad donde los ángeles caminan entre las personas o las observan desde las cornisas de los edificios. Berlin, la ciudad donde los ángeles reconfortan a las personas, escuchan sus conversaciones, las acompañan en el metro y en la biblioteca, las abrazan y se sonríen cuando los niños se les quedan mirando fijamente ya que son los únicos que pueden verlos. Berlin, donde los ángeles se enamoran de las trapecistas y quieren ser humanos y sentir y percibir como ellos. Berlin, la ciudad donde los ángeles quieren pasar del blanco y negro de la eternidad que los persigue a la fugacidad del color terrenal de las personas. Todo esto y por supuesto mucho más pasa en la maravillosa película de Wim Wenders, "El cielo sobre Berlin" (Der Himmel über Berlin, 1987) y en su continuación, "Tan lejos, tan cerca" (In Weiter Ferne, so Nah, 1993)...

Video de transiente

Y Penélope ganó el Oscar

2009-02-23T16:32:00.004+01:00

Pues sí. Penélope Cruz se convirtió anoche en la primera actriz española en ganar un Oscar de Hollywood. Enhorabuena. Probablemente no ha sido su mejor película, ni su mejor interpretación pero me alegro por ella. Por lo demás pocas sorpresas deparó la gala. "Slumdog millonaire" fue la gran vencedora y se llevó el Oscar a la mejor película y al mejor director. Y del resto de los importantes, Kate Winslet fue premiada merecidisimamente como mejor actriz, y el excesivo Sean Penn sumó su segundo Oscar por dar vida a Harvey Milk. Además Heath Ledger se llevó el esperado Oscar por su recreación de Joker, aunque es un premio que lleva más de carga de circunstancias que de mérito artístico. Felicidades Penélope...

Triste felicidad

2009-02-19T00:33:00.008+01:00

Orson Welles era por aquel entonces el “enfant terrible” de Hollywood y estaba considerado como un genio extravagante. Rita Hayworth era la mujer más sexy y adorada del firmamento cinematográfico. Orson vio una foto de Rita en Life y quedó tan fascinado que dijo que tenía que buscar y casarse con esa mujer. Organizó una fiesta en su casa sólo para poder conocerla. Orson quedó muy sorprendido, “Toda aquella imagen perversa, en plan Gilda, era completamente falsa. Era un papel, una interpretación total; como Lon Chaney haciendo de hombre lobo. Nada que ver con ella. Su erotismo era de otra clase. Aquello lo hacía bien porque le corría la sangre gitana por las venas. Pero su cualidad básica era la dulzura. Poseía una esencia riquísima, muy interesante y a la vez el polo opuesto de lo que suelen ser las estrellas del cine.” Pero a Orson le costó conquistarla, “No cogía el teléfono, no quería hablar conmigo. ¡Nada!. Estaba harta de los tipos de Hollywood que le iban detrás, y hacía bien. Pero yo no tenía la intención de renunciar. Por eso lo conseguí. Porque fui perseverante” Y así se inició un romance que se tradujo en boda en 1943, pero que fue un auténtico combate de boxeo por el choque tremendo de sus dos fuertes personalidades: si el carácter de Orson era difícil, el de Rita no le iba a la zaga. Además, estaba continuamente infeliz y atormentada consigo misma como confesó años más tarde Orson Welles, “La habían obligado a ocupar una posición que no la gustaba nada. Así no quería ser estrella. Ser una estrella célebre no le deparaba ni un solo momento de placer. No le gustaba ser Rita Hayworth. No creía en ello. No era una pose, pensaba así de verdad. Quería huir de Rita Hayworth pero no podía hacerlo, tenía que ganarse el sustento”. Después de tres años tormentosos de matrimonio, varias separaciones, intentos de reconciliación y todo tipo de discusiones, Orson y Rita se divorciaron en 1948. Años después, cuando se encontraron, Rita le dijo a Orson, “¿Sabes?, la única felicidad que he tenido en la vida ha sido contigo”. Welles se sintió culpable y triste y comentaría años más tarde su célebre frase, “Si aquello fue felicidad, como habrá sido el resto de su vida..."

Para saber más os recomiendo el libro: Barbara Leaming. “Si aquello fue felicidad... (La vida de Rita Hayworth)”. Fábula Tusquets Editores. 1989.

Rita Hayworth y Orson Welles en La dama de Shanghai (The Lady from Shanghai, Orson Welles, 1948)

Video de UQBAR8

Un año de blog

2009-02-16T15:29:00.005+01:00

De manera veloz y fugaz el tiempo pasa y ya hace un año que se abrió esta pequeña salita de cine. La única intención que perseguía era hablar, comentar, compartir esa pasión que tanto nos gusta a todos y nos hace más felices, el cine. No se trataba de enseñar nada, porque aquí el único que aprende soy yo, de vuestros comentarios. Daros las gracias a todos por entrar y sabed que seguís teniendo todos y cada uno de vosotros una butaca preferencial reservada con vuestro nombre...

Cuando el cine se hizo arte

2009-02-11T23:00:00.001+01:00

170 planos. En escena, la cruel carga de las tropas zaristas contra el pueblo indefenso en la escalinata de Odessa. Con una fotografía ejemplar de Eduard Tissé. Con la colectividad y el grupo como máximo protagonista. Toda una sinfonía coral perfectamente orquestada. Un tiempo sostenido que destila grandeza y épica. Un dominio de la acción y el montaje que inventan el cine. Seis minutos rodados con maestría y precisión de cirujano. Hay películas y directores sin los cuáles el cine no sería lo mismo. Sergei Mijailovich Eisenstein y su “Acorazado Potemkin” son el mejor ejemplo de ello. Tal día como hoy, hace 61 años, moría el genial director ruso, pero de su mano había nacido el cine...

El acorazado Potemkin (Bronenosez Potemkin, Sergei M.Eisenstein, 1925)

Video de cinemasequence

Rebelde para siempre

2009-02-08T12:00:00.003+01:00

Hoy cumpliría 78 años el eterno rebelde del cine. Si su Porsche Spyder 550, al que bautizó como "the little bastard", no se hubiese empotrado contra un poste el 30 de noviembre de 1955, haciéndole entrar directamente en el olimpo de los mitos. Actor excesivo, carismático y con gran magnetismo, pero sin las suficientes películas para saber su verdadera dimensión. Se quedó en la categoria de mito. De icono de una juventud rebelde, aturdida y desconcertada. 78 años del nacimiento del icono de la rebeldía.

FILMOGRAFÍA

1955 Al este del edén de Elia Kazan
1955 Rebelde sin causa de Nicholas Ray
1956 Gigante de Georges Stevens

Noche goyesca

2009-02-02T14:59:00.007+01:00

Anoche se celebró la XXIII edición de los Premios Goya, con todo el glamour y el oropel propio de estas ocasiones. Sin embargo, viendo las películas que optaban a las estatuillas, hay que decir que no ha sido un buen año para el cine español. Muy poquito que destacar. Basicamente las dos triunfadoras de la noche. "Camino", sin duda una apuesta cuando menos original, atrevida y arriesgada dentro del abigarrado y soporífero cine español. Y "El truco del manco", un saludable debut del director novel, Santiago A. Zannou, con toda su carga de superación y crítica social. Y poco más. Por fín una estupenda actriz como Carmen Elías recibió un merecido reconocimiento por su trabajo, Benicio del Toro se llevó el Goya también como premio a su paciencia por ser el objeto de los sketchs y chascarrillos de todo el mundo, y un outsider como Jesús Franco se llevaba un Goya de Honor tan sorprendente como estimulante. La gala fue tan larga y pesada como casi siempre, y sólo cabe destacar el humor delirante y surrealista de la troupé de Muchachada Nui. Nuevamente hubo mucho de victimismo y se cargó contra la piratería, contra la que seguramente se puede y se debe hacer algo más, pero el principal problema del cine español a dia de hoy y viendo las películas que se han producido en este último año, no está tanto en la crísis y en la piratería como en la falta de creatividad y talento.

PALMARÉS PREMIOS GOYA 2009

Mejor Película
“Camino„

Mejor Director
Javier Fesser por “Camino„

Mejor interpretación masculina protagonista
Benicio del Toro por “Che, el argentino „

Mejor interpretación femenina protagonista
Carme Elías por “Camino„

Actor revelación
José Manuel Montilla El Langui por “El truco del manco „

Actriz revelación
Nerea Camacho por “Camino„

Mejor guión original
Javier Fesser por “Camino„

Mejor interpretación masculina de reparto
Jordi Dauder por “Camino„

Mejor interpretación femenina de reparto
Penélope Cruz por “Vicky Cristina Barcelona „

Mejor fotografía
Paco Femenía por “Sólo quiero caminar „

Mejor guión adaptado
Rafael Azcona y José Luis Cuerda por “Los girasoles ciegos „

Mejor música original
Roque Baños por “Crímenes de Oxford „

Mejor canción original
A tientas (de Santiago A. Zannou y El Langui)

Mejor montaje
Alejandro Lázaro por “Los crímenes de Oxford „

Mejor director novel
Santiago A. Zannou por “El truco del manco „

Mejor dirección artística
Antxon Gómez por “Che, el argentino „

Mejor dirección de producción
Rosa Romero por “Los crímenes de Oxford „

Mejor diseño de vestuario
Lala Huete por “El Greco „

Mejor maquillaje y peluquería
J. Quetglas, B. Sánchez y M. Paradela por “Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la tierra „

Mejor sonido
Daniel de Zayas, Jorge Martín y Maite Rivera por “3 días „

Efectos especiales
Raúl Romanillos, Pau Costa, Pepe Quetglas, Eduardo Díaz, Alex Grau y Chema Remacha por “Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar a la tierra „

Mejor película hispanoamericana
La buena vida (Andrés Wood)

Mejor película europea
4 meses, 3 semanas y 2 días (Cristian Mungiu)

Mejor película documental
Bucarest, la memoria perdida (Albert Solé)

Mejor película de animación
El lince perdido

Mejor corto de ficción
Miente (de Isabel de Ocampo)

Mejor corto de animación
La increible historia del hombre sin sombra (de José Esteban Alenda)

Mejor corto documental
Héroes. No hacen falta alas para volar (Ángel Loza)

Goya de honor
Jesús Franco

Un mundo mágico

2009-01-24T11:00:00.000+01:00

“Recuerdo que de niño me llevaban al cine –mi padre, mi madre o mi hermano- y que mi primera sensación fue la de penetrar en un mundo mágico: la alfombra mullida, el olor de las palomitas de maíz frescas, la oscuridad, la sensación de seguridad y sobre todo de estar en un santuario: todas estas cosas evocan en mi memoria una iglesia. Un mundo de sueños. Un lugar que provocaba y agrandaba nuestra imaginación. La primera imagen de cine que recuerdo es la de un tráiler de una película de Roy Rogers. Montado en su caballo Trigger, se le veía saltar por encima de un tronco . Pero la primera película de la que recuerdo el título es Duelo al sol (Duel in the sun, King Vidor, 1946). La tranquilizadora oscuridad de la sala fue desgarrada de pronto por una explosión extravagante de colores vivos, seguida de muchos disparos: los créditos iniciales de la película. Era en 1946, yo tenia cinco años. Fue una gran experiencia sensual: la intensidad salvaje de la música, el Technicolor de “tres bandas”, la sensación del espacio (como sólo King Vidor podía recrearla), la utilización de los planos matte (cuadros) y, finalmente, el “duelo al sol” en sí mismo, todo era abrumador. Recuerdo haberme tapado los ojos, amedrentado, durante la secuencia final, mientras estalla la música sobre el fundido encadenado de Jennifer Jones a caballo, que da paso a un sol cegador de un amarillo casi blanco, mientras los dos amantes se acribillan y luego, tras la ascensión de Jennifer Jones, mueren uno en brazos del otro. La calidad alucinatoria de la estampa jamás ha disminuido, después de tantos años. Creo que esta experiencia me marcó para siempre.”

Martín Scorsese en Cahiers du Cinéma, número 500

Duelo al sol (duel in the sun, King Vidor, 1946), sólo he encontrado esta versión doblada, sirva de homenaje a la recientemente fallecida Elsa Fábregas...

Video de JavierWestern

Resumen del 2008

2009-01-16T14:00:00.004+01:00

Como estas fechas son propicias para hacer balances anuales, vamos con un resumen del cine que ví en el 2008. De entrada y leyendo la lista de estrenos del año pasado en España, me doy cuenta de que no he ido demasiadas veces al cine pero creo que tampoco me he perdido grandes cosas. Sólo se me ha quedado pendiente que me llame especialmente la atención, la laureada y aclamada película rumana "4 meses, 3 semanas y 2 días". Habrá que verla en cuanto se pueda.

Lo mejor: me quedo con dos películas, la francesa “Hace mucho que te quiero” de Philippe Claudel, que es para mí la mejor película del año pasado. Emotiva, contenida, soberbia, y con unas espléndidas interpretaciones. Y junto a ella, “Antes de que el diablo sepa que has muerto”, que demuestra como se puede hacer buen cine con ochenta y tantos años cuando se tiene la capacidad y el oficio de Sydney Lumet.

También me gustaron, “My blueberry nights”, en la linea del preciosismo poético del honkonés Kar-Wai, fórmula que se le va agotando pero todavía con momentos hechizantes. Y “No es país para viejos”, trepidante e inquietante película de los Coen que le valió el pasado y merecido Oscar a Javier Bardem. Muy entretenidas estuvieron “El tren de las 3:10”, que no desmerece al original de Delmer Daves. “Quantum of solace”, que me despertó el gusanillo y el interés por el agente secreto más famoso de la historia del cine. “El caballero oscuro”, un Batman más atípico y muy interesante. “Sweeny Todd” de Tim Burton, con todo la fascinación propia de los filmes de su director. “Buscado un beso a medianoche”, la peli independiente del año pasado, que demuestra que en los USA se hace algo más que el cine comercial de consumo masivo.

Lo peor: el reencuentro de Pacino y De Niro en la espantosa y bochornosa “Asesinato justo”. La esperadísima nueva entrega de Indiana Jones, tanto tiempo, tantos guiones por medio y al final una película floja y delirante muy por debajo del nivel de la serie. La decepcionante película "española" de Woody Allen, "Vicky Cristina Barcelona", que me pareció un encargo hecho con cierta desgana.

Y como peli de animación me quedo con "Wall-E" , muy recomendable para todos aquellos que aún no la hayáis visto.

Espero que este año de para mejores películas y para mejores recuerdos en el balance del año que viene. ¿Y vosotros? ¿Cuál es vuestro resumen? Aquí os dejo un enlace con todos los estrenos del 2008 en España para que os refresque la memoria.

http://www.caimanediciones.es/LISTADO_%20ESTRENOS_%202008.html

Se apagó la voz de Escarlata

2009-01-09T12:00:00.001+01:00

El 2008 ha sido una año terrible en cuanto a pérdidas en el mundo del cine. Nos dejaron Heath Ledger, Richard Widmark, Cyd Charisse, Mel Ferrer, Charlton Heston, Roy Scheider, Sydney Pollack, Rafael Azcona o Paul Newman entre otros. Y en los últimos dias del año tuvimos otras dos pérdidas muy sensibles. Se murió Robert Mulligan, uno de los grandes directores del cine hollywoodiense. A su mano se debe la maravillosa Matar a un ruiseñor, entre otros grandes films. Y también Elsa Fábregas, actriz de doblaje que puso voz a todas las grandes estrellas del Hollywood clásico. Suya fue la voz de Scarlett O´Hara, de Rita Hayworth en Gilda, de Katherine Hepburn, Ingrid Bergman o Bette Davies. Nunca he sido amigo del doblaje, pero hay que reconocer el talento y oficio de muchos de estos actores que se dedicaron a doblar las grandes películas durante tanto tiempo. Suya es la voz que uno le recuerda a Escarlata y otras diosas del celuloide en aquellas películas vistas en la niñez del televisor. Más estrellas para el cielo.

La historia del rey sabio

2009-01-05T16:57:00.006+01:00

Había un rey que gobernó en su reino.
Justo en el medio del reino había un pozo.
Ahí era donde todos bebían.
Una noche, una bruja apareció...
y envenenó el pozo.
Y al día siguiente, todos bebieron de ahí, menos el rey...
y todos se volvieron locos.
Salieron todos juntos a la calle y dijeron:
“Tenemos que deshacernos del rey porque está loco”
Y entonces esa noche, él bajó y bebió del pozo.
Y al día siguiente toda la gente se alegró...
porque su rey había recuperado la razón.

(Se lo cuenta Laurie (Barbara Eda-Young) a Frank Serpico (Al Pacino), en "Serpico", Sidney Lumet, 1973)

...que tengáis una feliz noche de reyes y que os traigan muchos regalos a todos...

El cine nació en invierno

2008-12-28T23:30:00.004+01:00

No sé donde lo leí y me gustó la frase. Y sí, así fue. Tal dia como hoy hace 113 años (el 28 de diciembre de 1895) tuvo lugar la primera exhibición cinematográfica pública a cargo de los hermanos Auguste y Louis Lumière en el sótano del Grand Café, en el número 14 del Boulevard des Capucines de Paris. La entrada costaba un franco y había una representación cada media hora. En el cartel anunciador se leía: "Cinématographe Lumière: este aparato inventado por Auguste y Louis Lumière, permite recoger, en series de pruebas instantáneas, todos los movimientos que, durante cierto tiempo, se suceden ante el objetivo, y reproducir a continuación estos movimientos proyectando, a tamaño natural, sus imágenes sobre una pantalla y ante una sala entera". La sesión inaugural levantó poco entusiasmo y había unas 35 personas en la sala, entre las que se encontraba el mago y luego director de cine Georges Mélies. Pero en el momento que se hizo la oscuridad y se iluminó la pantalla con imágenes de los transeúntes y carruajes del centro de Lyon, los espectadores quedaron anonadados. Según el propio Mélies, "boquiabiertos, estupefactos y sorprendidos más allá de lo que pueda expresarse" Y eso que las brevísimas películas expuestas contenian imágenes triviales, escenas de gentes andando, carruajes en el centro de la ciudad, salida de obreros de la fábrica, etc.. pero la capacidad de ver esas imágenes en movimiento fascinaron a todos los espectadores, sobre todo la llegada del tren a la estación, que provocó el pánico en la sala, donde la gente pensó que el tren se les venía encima. A los pocos días las representaciones eran ya un éxito, y a las dos semanas llevaban recaudados más de 2500 francos diarios y las interminables colas ante el Grand Café llegaban hasta la calle Caumartin. Y desde entonces hasta hoy, el cine ha seguido fascinando a millones y millones de personas en todo el mundo, por eso es sin duda considerado el gran arte del siglo xx. Por suerte el padre de los Lumière tuvo poca capacidad de predicción cuando al terminar esa primera y mítica representación un arrobado Georges Méliès se acercó a los organizadores con la intención de adquirir uno de esos prodigiosos aparatos, Antoine Lumière le dijo: "El aparato no está a la venta, afortunadamente para usted, pues le llevaría a la ruina. Podrá ser explotado durante algún tiempo como curiosidad científica, pero fuera de esto, no tiene ningún porvenir comercial"
Esperemos que el cine no sólo haya tenido un espléndido pasado si no que le quede aún un maravilloso futuro...

Navidades de cine

2008-12-23T15:30:00.004+01:00

Aunque el entusiasmo por la Navidad se me fue pasando de manera proporcional a la que iba cumpliendo años, he de reconocer que estas fechas son muy cinematográficas. No sólo como telón de fondo para ubicar una película (como la ya tan cansina ¡Que bello es vivir!, jeje), si no también como ocasión para ver y disfrutar del cine, ya sea en la oscuridad de una sala (posiblemente abarrotada en estas fechas) o al calorcito de casa (tumbados en el sofá). Así que aprovecho para desearos a todos los espectadores de esta salita unas felices fiestas, un próspero año nuevo y que tengáis unas navidades de cine...

Al servicio secreto de Su Majestad

2008-12-17T13:16:00.009+01:00

Nunca he sido demasiado fan de la saga cinematográfica del agente secreto más famoso de la historia. Pero he de decir que he visto recientemente las dos últimas entregas de la serie, con el pétreo Daniel Craig de protagonista, y me han parecido muy entretenidas. Tanto es así que me han despertado el gusanillo por revisitar algunas de las anteriores películas de tan glamouroso héroe. Además un mitómano empedernido como yo, no puede resistirse a todos aquellos elementos de la fórmula Bond que forman parte ya de la memoria de todo buen cinéfilo: el Aston Martin, la música de John Barry, el martini "agitado, no mezclado", los vistosos títulos de crédito, los malvados villanos y las maravillosas chicas Bond, los exóticos escenarios, M y la secretaria Monnepenny y sus coqueteos y Q y sus superinventos (aunque estos dos últimos hayan desaparecido) y sobre todo el... "Me llamo Bond. James Bond".
Pues eso, que ahora en época de próximas vacaciones es el mejor momento para revisitar cualquiera de las películas de la saga y disfrutar de un rato de entretenimiento junto al agente secreto más famoso que haya estado al servicio secreto de Su Majestad...

Video de MemphisRaines247

PELÍCULAS DE JAMES BOND
1962 AGENTE 007 CONTRA EL DR.NO (Dr.No) de Terence Young
1963 DESDE RUSIA CON AMOR (From Russia with love) de Terence Young
1964 GOLDFINGER (Goldfinger) de Guy Hamilton
1965 OPERACIÓN TRUENO (Thunderball) de Terence Young
1967 SÓLO SE VIVE DOS VECES (You only live twice) de Lewis Gilbert
1969 AL SERVICIO SECRETO DE SU MAJESTAD (On her Majesty's secret service) de Peter R.Hunt
1971 DIAMANTES PARA LA ETERNIDAD (Diamonds are forever) de Guy Hamilton
1973 VIVE Y DEJA MORIR (Live an let die) de Guy Hamilton
1974 EL HOMBRE DE LA PISTOLA DE ORO (The man with the golden gun) de Guy Hamilton
1977 LA ESPIA QUE ME AMÓ (The spy who loved me) de Lewis Gilbert
1979 MOONRAKER (Moonraker) de Lewis Gilbert
1981 SÓLO PARA SUS OJOS (For your eyes only) de John Glen
1983 OCTOPUSSY (Octopussy) de John Glen
1985 PANORAMA PARA MATAR (A view to a kill) de John Glen
1987 007 ALTA TENSIÓN (The living daylights) de John Glen
1989 LICENCIA PARA MATAR (License to kill) de John Glen
1995 GOLDENEYE (Goldeneye) de Martin Campbell
1997 EL MAÑANA NUNCA MUERE (Tomorrow never dies) de Roger Spottiswoode
1999 EL MUNDO NUNCA ES SUFICIENTE (The world is not enough) de Michael Apted
2002 MUERE OTRO DIA (Die another day) de Lee Tamahori
2006 CASINO ROYALE (Casino Royale) de Martin Campbell
2008 QUANTUM OF SOLACE (Quantum of solace) de Marc Forster

PELÍCULAS NO OFICIALES
1967 CASINO ROYALE (Casino Royale) de John Huston & Val Guest & Robert Parrish & Joseph McGrath & Kenneth Hughes
1984 NUNCA DIGAS NUNCA JAMÁS (Never say never again) de Irvin Kershner

Espartaco cumple años

2008-12-09T16:28:00.004+01:00

Nadie se imagina otro rostro para el más célebre de los esclavos romanos. Pocos actores han hecho gala de tanta personalidad y carácter dentro y fuera de la pantalla como él. En un "annus horribilis" donde hemos perdido a gran parte de las antiguas estrellas cinematográficas que nos quedaban, es una gran noticia el poder celebrar hoy el cumpleaños de una de las estrellas más rutilantes de la época dorada del cine. Del hoyuelo más mítico que se haya visto en una película. Kirk Douglas cumple hoy 92 años. El hijo del trapero como él se definió en su autobiografía, ha tenido una de las carreras más brillantes del panorama cinematográfico. Desde Espartaco a Senderos de gloria, Cautivos del mal o El loco del pelo rojo, muchas son las perlas donde ha dado buen ejemplo de su capacidad. Hoy es un día feliz porque Kirk Douglas todavía sigue brillando fuera de las pantallas. Felicidades Espartaco.

FILMOGRAFIA
1946 EL EXTRAÑO AMOR DE MARTHA IVERS (The strange love of Martha Ivers) de Lewis Milestone
1947 RETORNO AL PASADO (Out of the past) de Jacques Tourneur
1947 A ELECTRA LE SIENTA BIEN EL LUTO (Mourning becomes Electra) de Dudley Nichols
1948 AL VOLVER A LA VIDA (I walk alone) de Byron Haskin
1948 MURALLAS HUMANAS (The walls of Jericho) de John M.Stahl
1949 MI QUERIDA SECRETARIA (My dear secretary) de Charles Martin
1949 CARTA A TRES ESPOSAS (A letter to three wives) de Joseph L.Mankiewicz
1949 EL ÍDOLO DE BARRO (Champion) de Mark Robson
1950 EL TROMPETISTA (Young man with a horn) de Michael Curtiz
1950 EL ZOO DE CRISTAL (The glass menagerie) de Irving Rapper
1951 CAMINO DE LA HORCA (Along the great divide) de Raoul Walsh
1951 EL GRAN CARNAVAL (Ace in the hole) de Billy Wilder
1951 BRIGADA 21 (Detective story) de William Wyler
1952 LA LEY DE LA FUERZA (The big trees) de Felix Feist
1952 RIO DE SANGRE (The big sky) de Howard Hawks
1952 CAUTIVOS DEL MAL (The bad and the beautiful) de Vincente Minnelli
1953 TRES AMORES (The story of three loves) de Gottfried Reinhardt
1953 HOMBRES OLVIDADOS (The juggler) de Edward Dmytryk
1953 ACTO DE AMOR (Act of love) de Anatole Litvak
1954 ULISES (Ulysses) de Mario Camerini
1954 20000 LEGUAS DE VIAJE SUBMARINO (20000 leagues under the sea) de Richard Fleischer
1955 HOMBRES TEMERARIOS (Ther racers) de Henry Hathaway
1955 LA PRADERA SIN LEY (Man without a star) de King Vidor
1955 PACTO DE HONOR (The indian fighter) de Andre de Toth
1956 EL LOCO DEL PELO ROJO (Lust for life) de Vincente Minnelli
1957 INTRIGA FEMENINA (Top secret affair) de H.C.Potter
1957 DUELO DE TITANES (Gunfight at the OK Corral) de John Sturges
1957 SENDEROS DE GLORIA (Paths of glory) de Stanley Kubrick
1958 LOS VIKINGOS (The vikings) de Richard Fleischer
1959 EL ÚLTIMO TREN DE GUN HILL (Last train from Gun Hill) de John Sturges
1959 EL DISCÍPULO DEL DIABLO (The devil's disciple) de Guy Hamilton
1960 UN EXTRAÑO EN MI VIDA (Strangers when we meet) de Richard Quine
1960 ESPARTACO (Spartacus) de Stanley Kubrick
1961 CIUDAD SIN PIEDAD (Town without pity) de Gottfried Reinhardt
1961 EL ÚLTIMO ATARDECER (The last sunset) de Robert Aldrich
1962 LOS VALIENTES ANDAN SOLOS (Lonely are the brave) de David Miller
1962 DOS SEMANAS EN OTRA CIUDAD (Two weeks in another town) de Vincente Minnelli
1963 SILENCIO DE MUERTE (The hook) de George Seaton
1963 EL ÚLTIMO DE LA LISTA (The list of Adrian Messenger) de John Huston
1963 TRES HEREDERAS (For love or money) de Michael Gordon
1964 SIETE DIAS DE MAYO (Seven days in may) de John Frankenheimer
1965 PRIMERA VICTORIA (In harm's way) de Otto Preminger
1965 LOS HÉROES DEL TELEMARK (The heroes of Telemark) de Anthony Mann
1966 LA SOMBRA DE UN GIGANTE (Cast a giant shadow) de Melville Shavelson
1966 ¿ARDE PARÍS? (Is Paris burning?) de René Clement
1967 CAMINO DE OREGÓN (The way west) de Andrew W.McLaglen
1967 ATAQUE AL CARRO BLINDADO (The war wagon) de Burt Kennedy
1968 SINDICATO DE ASESINOS (A lovely way to die) de David Lowell Rich
1968 MAFIA (The brotherhood) de Martin Ritt
1969 EL COMPROMISO (The arrangement) de Elia Kazan
1970 EL DIA DE LOS TRAMPOSOS (There was a crooked man...) de Joseph L.Mankiewicz
1971 CON LOS DEDOS CRUZADOS (To catch a spy) de Dick Clement
1971 LA LUZ DEL FIN DEL MUNDO (The light at the edge of the world) de Kevin Billington
1971 EL GRAN DUELO (A gunfight) de Lamont Johnson
1972 UN HOMBRE A RESPETAR (The master touch) de Michele Lupo
1973 PATA DE PALO (Scalawag) de Zoran Calic y Kirk Douglas
1975 LOS JUSTICIEROS DEL OESTE (Posse) de Kirk Douglas
1975 UNA VEZ NO BASTA (Jacqueline Susann's once is not enough) de Guy Green
1977 HOLOCAUSTO 2000 (Holocaust 2000) de Alberto De Martino
1978 LA FURIA (The fury) de Brian De Palma
1979 CACTUS JACK (The villain) de Hal Needham
1979 UNA FAMILIA DE LOCOS (Home movies) de Brian De Palma
1980 SATURNO 3 (Saturn 3) de Stanley Donen
1980 EL FINAL DE LA CUENTA ATRÁS (The final countdown) de Don Taylor
1982 EL HOMBRE DEL RÍO NEVADO (The man from snowy river) de George Miller
1983 LA FUGA DE EDDIE MACON (Eddie Macon's run) de Jeff Kanew
1986 OTRA CIUDAD, OTRA LEY (Tough guys) de Jeff Kanew
1991 OSCAR ¡QUITA LAS MANOS! (Oscar) de John Landis
1991 BIENVENIDO A VERAZ (Welcome to Veraz) de Xavier Castaño
1994 LOS CODICIOSOS (Greedy) de Jonathan Lynn
1999 DIAMONDS de John Asher
2003 COSAS DE FAMILIA (It runs in the family) de Fred Schepisi
2004 ILLUSION de Michael A.Goorjian

Más estrellas que en el cielo

2008-12-02T15:58:00.005+01:00

Ocurrió en la primavera de 1972, en Sunset Boulevard, Hollywood, California. En la mansión de George Cukor, en el número 9166 de Cordell Drive. La idea la tuvo el editor de arte de Los Angeles Times, Charles Champlin, quien a modo de homenaje para el director español Luis Buñuel, organizó este encuentro de maestros del séptimo arte. Cukor no tuvo ningún problema en ofrecer su mansión para tal evento, acostumbrado como estaba a montar glamurosas fiestas. Allí se reunieron de izquierda a derecha y de arriba a abajo: Robert Mulligan, William Wyler, George Cukor, Robert Wise, J.C.Carriere, Serge Silbermann, Billy Wilder, Georges Stevens, Luis Buñuel, Alfred Hitchcock y Robert Mamoulian. A los que hay que sumar a John Ford, que se retiró porque se encontraba mal, (moriría a los pocos meses) y Fritz Lang, demasiado mayor y enfermo como para poder trasladarse hasta allí (sería visitado al dia siguiente por Buñuel en la casa del maestro alemán). La foto la tomó la reportera gráfica de Los Angeles Times, Mary Newton. Nunca estuvieron tantos grandes directores de cine juntos en una foto. Una foto para la historia, porque ellos fueron una gran parte de la historia del cine que tanto amamos...

Dublineses

2008-11-24T17:14:00.008+01:00

John Huston se despidió del cine con una última película, para algunos su mejor película, absolutamente llena de maestría. Ya en silla de ruedas, muy enfermo, con una bombona de oxígeno a cuestas, Huston realizó una prodigiosa adaptación del cuento de James Joyce sin desmerecer un ápice la obra escrita por el escritor irlandés. El uso del tiempo, la fotografía, los personajes, los diálogos, el fatal peso de la nostalgia, todo enlazado de manera tan perfecta que define plenamente lo que se considera una obra maestra. Es, como dijo Isabel Coixet, "la película que todos soñamos hacer, pero que no estaremos capacitados para hacerla jamás". Nunca un relato fue mejor adaptado que estos "Dublineses" de John Huston...

DUBLINESES
(The Dead)
USA,1987
Liffey Films/Vestron Pictures/Zenith Productions
Director: John Huston
Productores: Chris Sievernich y Wieland Schulz-Keil
Productor ejecutivo: William J. Quigley
Guión: Tony Huston basado en el relato "The deadde James Joyce
Música: Alex North
Fotografía: Fred Murphy
Decorados: Josie McAvin
Vestuario: Dorothy Jeakins
Montaje: Roberto Silvi
Sonido: Bill Randall
Diseño de producción: Stephen Grimes, J. Dennis Washington
Reparto: Anjelica Huston, Donald McCann, Helena Carroll, Cathleen Delany, Ingrid Craige, Rachel Dowlings, Dan O’Herlihy, Marie Kean, Donald Donnelly, Colm Meaney
Color. 83 minutos

Las Emociones de Louis Malle

2008-11-18T16:06:00.006+01:00

"Cuanto más vivo, menos me fio de las ideas y más de las emociones"

El director francés Louis Malle supuso una de las presencias más interesantes del cine francés del pasado siglo. Coetáneo de la "Nouvelle vague", siguió sin embargo su propio camino ajeno al famoso grupo capitaneado por Truffaut y Godard. Un camino que le llevó siempre a realizar un cine personal, cuidado, de emociones y de sentimientos. Empezó rodando en el Calypso de Cousteau, que dijo de él, que fue el mejor director que había conocido. Debutó a lo grande con "Ascensor para el cadalso", descubriéndonos además para la fama a Jean Moreau. Y de ahí hasta el final, sus películas siempre fueron por donde le pedía el corazón. "Adiós, muchachos" ,en 1987, supuso una de sus películas más redondas. Sus recuerdos de infancia le sirvieron para indagar en ese mundo de las emociones que tanto le interesaba por encima incluso de las ideas. Su estilo, su trazo, su magnífica capacidad para elegir la música de sus películas y a sus compositores le han convertido en uno de los directores más necesarios para la historia del buen cine. Conviene siempre rescatar sus películas.
"Au revoir mon père"...

Adiós, muchachos; Louis Malle, 1987...

Video de unefemmeestkarina

Escenas para los críticos

2008-11-11T15:00:00.002+01:00

Cuenta Medardo Fraile en su libro "Entradas de cine", una impagable anécdota sobre Antonioni. En su elogiada película "Blow Up" hay una escena donde juegan un partido de tenis sin raquetas y sin pelota. Sarah Miles, la protagonista, estaba algo desconcertada ante esa escena y le dijo al director que le explicara su significado. Antonioni la respondió sonriendo: "Sarah, esta escena es para los críticos". Bien sabía el maestro italiano como hacerse un hueco en la historia del cine...

Blow-Up- Michelangelo Antonioni, 1966...

Video de JensAddictions

Anoche tuve un sueño

2008-11-05T00:57:00.000+01:00

Anoche tuve un sueño. Anoche soñé que cambiar las cosas es posible. Anoche soñé que tener un mundo un poco mejor es posible. Anoche soñé que el diálogo sustituía a la fuerza y que la palabra se convertía en la más eficaz de las armas. Anoche soñé que llegar a lo más alto es posible independientemente del color de tu piel. Anoche soñé que se puede tener un poquito de ilusión y esperanza sin temor a despertarse. Anoche me dí cuenta de que los sueños no sólo son posibles en el cine...

Denzel Washington en Malcom X (Spike Lee, 1992)

Video de josescg2

Noche de Halloween

2008-11-01T00:49:00.002+01:00

Noche de Halloween. Noche de fantasmas. De puertas que chirrian. De ventanas que se abren con el viento. De tormentas. De espíritus burlones. De escaleras oscuras que suben a desvanes o bajan a sótanos. Noche de sustos. Noche de muertos que no descansan en los cementerios. Noche de miedo... Buena noche de Halloween...

Pesadilla antes de Navidad, Henry Selick, 1993
(Video de alexprat)

De cine por Valladolid

2008-10-29T21:42:00.000+01:00

Este fin de semana fue de Seminci vallisoletana y a pesar de la desastrosa organización que este año exhibe el festival (un caos indigno de un certámen de este nivel y más propio de un cine-fórum tercermundista), siempre resulta un placer para los que nos gusta tanto ver cine, estar en un festival viendo películas durante todo el día, respirando el ambiente cinéfilo, escuchando a los protagonistas en muchos casos, en fin empapándose y viviendo el cine. Y viendo películas que dificilmente estarán presentes en el circuíto comercial. Las pinceladas de lo que ví: "New Dominican York", un extraordinario documental sobre la dureza de la inmigración (en este caso dominicana en Nueva York) y lo que conlleva de dolor y dificultad. "Bella", un cuento mexicano sobre el amor a la vida y a la esperanza. "Más tarde comprenderás", una dura y lenta búsqueda de un pasado ocultado y doloroso. "Cerezos en flor", otra fábula del tiempo perdido y la necesidad del "carpe diem". En definitiva, estupendo fin de semana de cine...

Ahí van los trailers de algunas de ellas...

Bella, Alejandro G. Monteverde

Video de bellathemovie

Cerezos en flor (Kirschblüten-Hanami), Doris Dörrie

Video de WFFBKK

El cine según John Ford

2008-10-24T19:38:00.000+02:00

"¿El cine? ¿Usted ha visto caminar a Henry Fonda? Pues eso es el cine."

John Ford

Pues aquí le vemos caminar y hasta bailar, Pasión de los fuertes (My darling Clementine), John Ford, 1946...

Video de gooder8888

El público es el que manda

2008-10-18T17:25:00.007+02:00

Muchas veces las películas no salen como se habían previsto en un comienzo. A Billy Wilder le ocurrió esto en varias ocasiones y una de ellas fue en una de sus más aclamadas y reconocidas películas, "El Crepúsculo de los dioses"(Sunset Boulevard). Su famosísimo y celebrado comienzo con William Holden flotando en la piscina que nos comienza a contar la historia de su asesinato no era la idea primera de Wilder, de hecho se rodó otro comienzo de la película, pero después de un primer pase de prueba con público se cambió ese inicio por el que todos conocemos y que ha pasado a la posteridad como uno de los más originales de la historia del cine. El otro, el desechado, comenzaba con un coche fúnebre que llevaba el cuerpo de William Holden hasta el depósito de cadáveres. Allí le dejaban en una sala junto a otros cuerpos todos cubiertos con sábanas. En el momento en el que se apagaban las luces y salían los celadores, los muertos se ponían a hablar unos con otros, y era así como el personaje de Holden empezaba a contar su historia. El pase previo con público lo hizo la Paramount en una sala de Evanston, Illinois. Con la escena inicial, cuando los cuerpos empiezan a hablar en el depósito de cadáveres la gente empezó a reirse. Wilder se sorprendió, pero las risas iban en aumento con lo que acabó abandonando la sala y se quedó sentado en las escaleras que conducían a los lavabos. "Fue uno de los peores momentos de mi vida", dijo. Bajó por la escalera una señora que también había abandonado la sala y le dijo: "¿Ha visto alguna vez algo tan malo?", a lo que Wilder contestó "Nunca". Y se puso a pensar en como volver a rodar la secuencia inicial.

Esta es la transcripción exacta de las páginas del guión original fechado en diciembre de 1948, con la escena del prólogo en la morgue que sería eliminado tras el primer visionado:

EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES

Charles Brackett
Billy Wilder
D. M. Marshman Jr.

21 de diciembre de 1948

SECUENCIA A
A-1 Empezar la película con el letrero: SUNSET BOULEVARD, estampado en el bordillo de una acera. En la alcantarilla hay ojas secas, papeles, cerilla quemadas y colillas. Primera hora de la mañana.
La cámara se aleja del letrero y se mueve hacia el este, el asfalto gris de la calle ocupa la pantalla. Conforme aumenta la velocidad a 65 kms/hora, pasan a modo de flash demarcaciones de tráfico, flechas blancas, advertencias de límite de velocidad, bocas de alcantarilla, etc. Superpuestos sobre todo esto se ven los titulos de crédito, al estilo del letrero del bordillo.
Después del último título, barrido hacia arriba a la parte trasera de un vehículo en movimiento.
Es un coche fúnebre negro. En la matrícula pone: CALIFORNIA, 1949- junto a un número. El marco de metal de la matrícula tiene un sello con las palabras LOS ANGELES.
Barrido hacia arriba. La palabra JUEZ DE INSTRUCCIÓN aparece pintada en la parte trasera del coche fúnebre.

FUNDIDO A:
A-2 El coche fúnebre del juez baja por un callejón hasta el depósito de cadáveres del condado.
Se detiene ante una verja cerrada de acero enrejado. En la pared hay un letrero: TOQUE LA BOCINA. El conductor la toca. El celador abre la verja. El coche fúnebre entra a:

A-3 un tunel y de ahi a

A-4 un patio pequeño
El coche fúnebre da marcha atrás hasta una plataforma de descarga y se vuelve a oir la bocina. Dos celadores vestidos de blanco salen del depósito mientras el conductor y un agente somnoliento se bajan del coche fúnebre.
Los celadores abren la puerta trasera del vehículo y sacan una camilla de hospital en la que yace un cadáver cubierto con una sábana marrón. Sólo se pueden ver los pies del cadáver, con unos calcetines de algodón barato y mocasines desgastados. Están empapados. Barrido con los pies mientras la camilla es conducida a una sala pequeña cerca de la entrada del edificio hasta detenerse.

FUNDIDO A
A-6 EL DEPÓSITO DE CADÁVERES
Un celador lleva el cadáver de Gillis a una sala enorme, vacía y sin ventanas. Junto a las paredes hay unos veinte cadáveres cubiertos con una sábana en una fila de mesas de autópsia con ruedas con números grandes pintados en las paredes sobre cada mesa. El celador lleva a Gillis hasta un espacio vacío. Mientras pasa, los pies de los otros cadáveres se estiran debajo de las sábanas: pies de hombre, pies de mujeres, de niños, dos o tres de negros... con una etiqueta colgando de cada dedo gordo del pie izquierdo.
El celador sale y apaga la luz. Por un instante, la sala se queda en penumbra. A continuación, cuando la música alcanza una fase más astral, un brillo extraño emana de los cuerpos cubiertos. La larga fila de etiquetas se balancea por la corriente de aire del sistema de ventilación.

(Nota: Las voces en la siguiente escena tienen un tono apagado peculiar)

VOZ DE HOMBRE: No temas, somos muchos. No pasa nada.
GILLIS: No tengo miedo.

No mueve la cabeza, pero gira los ojos lentamente hacia la mesa de al lado. En ella, bajo una sábana medio transparente, yace un hombre grueso de unos 60 años. También tiene los ojos abiertos y dirigidos hacia Gillis.

HOMBRE GRUESO: ¿Cómo murió?
GILLIS: ¿Qué importa?
HOMBRE GRUESO: Yo, de un ataque al corazón. Me iba a jubilar en Los Ángeles. Me había quedado una pensión de la Seattle Trust Company y un bonito bungalow, todo listo. El agente estaba apunto de enseñarme el aguacate cuando ocurrió.
GILLIS: Una lástima.
HOMBRE GRUESO: Afortunadamente, no había firmado el contrato.

Hay una pequeña pausa.

GILLIS: Yo me ahogué.

En una mesa junto a la pared de enfrente yace un niño rubio de once años, con la cara hinchada. La cara del niño también se ve a través de la sábana transparente.

NIÑO: Yo también. Me ahogué. En el embarcadero de Ocean Park. Lo único malo es cuando intentas no tragar. Si abres la boca y dejas que entre, no duele.

Debajo de otra sábana yace un negro fornido.

NEGRO: ¿No sabrá si Satchel Paige derrotó a los White Sox ayer?
GILLIS: No, imposible. Morí antes de que repartieran el periódico.
NEGRO: ¡Mecachis! Llevaba naranjas desde San Berdoo y sintonicé los resultados del beisbol cuando me golpeó. Una señora en un Chevy cupé que acabó destrozado y volcado. Uno se cree a salvo en un camión de dos toneladas. ¡Ja,ja! Salió a gatas y se encendió un cigarrillo, y yo ahí muerto en el cruce, rodeado de naranjas.
NIÑO: Ojalá vengan mis padres a recogerme.

Bajo otra sábana yace una mujer de mediana edad.

MUJER: Vendrán. No te preocupes.
NIÑO: ¿Cree qué estarán enfadados conmigo?
MUJER: No. Vendrán a buscarte y traerán flores, y te llevarán a un lugar soleado y verde y te arroparán para que sueñes con los angelitos.
HOMBRE GRUESO: Debería haber más socorristas, con los impuestos que pagamos.
(A Gillis) ¿Dónde se ahogó? ¿En el océano?
GILLIS: No. En la piscina.
HOMBRE GRUESO: ¿Un tipo fuerte como usted?
GILLIS: Bueno, tenía algún agujero de más. Dos en el pecho y uno en el estómago.
HOMBRE GRUESO: ¿Le asesinaron?
GILLIS: Sí, me asesinaron.

Los ojos del hombre grueso se dirigen hacia una esquina de la sala.

HOMBRE GRUESO: (Confidencialmente). Al número diecisiete también. Un hombre interesante. Me dijo que era corredor de apuestas. Trabajaba para un sindicato del Este. Empezó a hacer apuestas por su cuenta, y enviaron a un par de tipos de Chicago. Me pregunto si la policía lo averiguará algún día.
GILLIS: Nunca averiguarán lo mío. (Con la sombra de una sonrisa irónica). Tendría gracia, estar aquí como un puzzle revuelto, con la policía y los columnistas de Hollywood intentando reconstruir lo sucedido.
HOMBRE GRUESO: ¿Hollywood? ¿Trabaja en el cine?
GILLIS: Sí. Llegué en el 45, quería comprarme una piscina. Y vaya si me la compré. Aunque resultó que había sangre...

Pues ahora veamos el comienzo que lo sustituyó y que se ha convertido en uno de los más célebres de la historia del cine, El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard), Billy Wilder, 1950...

Video de felixxxx999

Cine & Son

2008-10-12T22:32:00.000+02:00

Jorge Perugorría, Vladimir Cruz, Alice de Andrade, Mirtha Ibarra, Juan Carlos Tabío
(foto Papagena)

El jueves tuvimos la suerte de presenciar (dentro del festival Vivamerica que se celebró esta semana en Madrid), una charla-encuentro-diálogo-conversación con los actores cubanos: Jorge Perugorría, Vladimir Cruz, Mirtha Ibarra y el director Juan Carlos Tabío, moderados por la realizadora brasileña Alice de Andrade. Risas, recuerdos, anécdotas y cine. Todos ellos estuvieron menos parlanchines de lo esperado, pero aún así el encuentro valió la pena. Tabío fue el que más habló de cine. Desde lo que cuesta poner en marcha una película, hasta su consideración de que la película es un vehículo de comunicación (o provocación), entre el director y el espectador, de manera que cada película se inicia de verdad en el momento en que el espectador se pone a verla, y cada película es distinta para cada espectador, porque nadie reacciona igual ni siente lo mismo. Reconoció entre los cineastas que admira y le inspiran a Buñuel y Berlanga. Del cine norteamericano le interesaron Altman y Bogdanovich, pero piensa que desde finales de los sesenta en Hollywood siempre se hace la misma película como si se trabajara en serie. También dijo entre sonrisas que el western y el bolero no se pueden tomar nunca en serio. Para los actores quedaron las anécdotas y los momentos más emotivos, como cuando todos ellos recordaron sus sensaciones la noche del estreno en La Habana de Fresa y Chocolate, película que cambiaria sus vidas y que supuso un antes y un después en el cine cubano y probablemente en todo el cine hispanoamericano. En definitiva, una estupenda velada hablando de cine a ritmo de son cubano.

Fresa y Chocolate, (Tomás Gutiérrez-Alea y Juan Carlos Tabío,1993)

Video de agonizzer

El tren que ya estuvo en Yuma

2008-10-07T00:04:00.005+02:00

Ahora que tenemos en los cines la estupenda película "El tren de las 3:10" de James Mangold con Russell Crowe y Christian Bale, yo sin embargo quiero recordar que antes de que Russell y Christian cogieran el tren para Yuma, en 1957 ya lo habían cogido Glenn Ford y Van Heflin en el clásico de Delmer Daves rodado en bellísimo blanco y negro y con tanta brillantez y fuerza como el estupendo remake que tenemos ahora en las carteleras. De hecho, aunque la acción está más desarrollada con la nueva versión (el western de Daves es de los de caracter psicológico), la brillantez de su guión ya se encontraba integramente en la primera película, y como muestra este botón del maravilloso diálogo que mantienen Glenn Ford y Felicia Farr (el forajido Ben Wade y la camarera Emmy), que no aparece en el nuevo film...

- ¿Volverás a Bisbee alguna vez?
- No creo
- Ya lo suponia
- No me quedo mucho tiempo en ningun sitio. ¿Te importa?
- Claro que sí ¿Qué puedo hacer? Tú te vas y yo me quedo.
Pero no me quejo. Así tengo algo para recordar.
- Yo también
- Es curioso, puedes ver a ciertos hombres durante 10 años y nunca reparas en ellos, y a otros los ves una sola vez y no los olvidas jamás.

...Y ahora los vemos, El tren de las 3:10, Delmer Daves, 1957...

Video de quixotando

EL TREN DE LAS 3:10
(3:10 to Yuma)
USA. 1957
Columbia Pictures
Director: Delmer Daves
Productor: David Heilweil
Director artístico: Frank Hotaling
Guión: Halsted Welles (basado en la historia de Elmore Leonard)
Música: George Duning
Fotografía: Charles Lawton Jr.
Reparto: Glenn Ford, Van Heflin, Felicia Farr, Leora Dana, Henry Jones, Richard Jaeckel, Robert Emhardt, Sheridan Comerate, George Mitchell, Robert Ellenstein, Ford Rainey
B/N. 92 minutos.

El dia que murió Paul Newman

2008-09-27T19:53:00.007+02:00

No por esperado ha sido menos doloroso. Se ha muerto Paul Newman. El actor más guapo de la historia del cine. Sus ojos azules consiguieron hipnotizarnos a todos ante una pantalla. Era mucho más que una cara bonita. Era un grandisimo actor, con personalidad, carisma y mucha inteligencia. Gente como él ha conseguido hacer que este invento del cine sea algo tan maravilloso. Junto a él hemos vivido tantas cosas que forma parte de nuestros propios recuerdos. Hoy es un dia de infinita tristeza, porque hoy es el dia en el que se murió Paul Newman.

Dos hombres y un destino, 1969, George Roy Hill

Video de robertofelix

México visto por Buñuel

2008-09-22T23:48:00.003+02:00

En la sala de exposiciones de la Filmoteca Española, en el Palacio de Perales de Madrid, podemos gozar de una interesantísima exposición basada en las fotografías que realizó Buñuel en México, en la búsqueda de localizaciones para sus películas. Las fotografías formaban parte del extenso legado que la familia del director aragonés donó a la Filmoteca. Él nunca las dió demasiada importancia e incluso algunas contienen anotaciones y apuntes. Las fotografias se acompañan de citas del propio Buñuel sobre las respectivas películas y la exposición se completa con un audiovisual donde se ven las fotografias de los lugares y los planos de las películas donde aparecen esas localizaciones. Por si nos quedaba alguna duda de la capacidad artística de Buñuel, esta exposición nos sirve para descubrir que además de gran director era un estupendo fotógrafo.

Desde la casa del fantasma

2008-09-17T00:00:00.002+02:00

La Gaviota, 17 de Septiembre de 2008

Buenas noches.

Me asomo a la ventana de mi casa en el acantilado para hablarles sobre una película maravillosa y desgarradora. Es una historia de amor y dolor, de vida y de muerte, de los lazos que nos unen y los abismos que nos separan. Una película que nos habla de lo más terrible que hay en la vida, y también de lo más hermoso. Verla es una experiencia intensa: por momentos, sentimos que el dolor nos ahoga, pero hay otros de una belleza deliciosa, de una ternura sencilla y embriagadora, y varias veces nos hará sonreir. Como la vida.

A destacar, el recital interpretativo de Kristin Scott Thomas, a la que da la réplica a la perfección (sin ser esto asunto facil) Elsa Zylberstein. Del primer al último actor, sin embargo, hacen una interpretación memorable... y además la película es plásticamente muy bella.

Les tengo que dejar, mi fantasma me reclama. Voy a hablarle a él también de "Hace mucho que te quiero". Estoy segura de que le encantará. Como a ustedes.

Siempre suya,

Mrs. Muir

La Gaviota, 14 de Marzo de 2008

Buenas noches.

Aprovechando que mi fantasma ha salido a dar un paseo por la playa, me he acercado a esta salita de cine para saludarles y decirles que próximamente me presentaré ante ustedes para hablarles de mis cosas. Cosas de fantasmas, de vivos y de muertos, de casas en acantilados y amores imposibles o que llegan con retraso, de ilusiones y decepciones, estrellas y petardos. Cosas de Cine, en resumidas cuentas.

Hasta entonces, reciban un cordial saludo.

Siempre suya,

Mrs Muir

Stephen Frears en Madrid

2008-09-13T18:48:00.008+02:00

Este jueves pasado tuvimos la suerte de tener en Madrid al director Stephen Frears en la Filmoteca Española, acompañando al autor de su única biografía existente, Javier Hernández Ruiz (Stephen Frears: crónista camaleónico), en la presentación de la misma y para hablarnos de su cine y de sus películas, aprovechando que la Filmoteca le dedica un estupendo ciclo donde se puede ver por primera vez su filmografía completa. Frears estuvo muy cercano y afable con todo el público que llenábamos la sala, pero es tremendamente hermético y lacónico a la hora de hablar de su obra y si a eso le añadimos que no tiene ni idea de español y el traductor que había puesto la Filmoteca no estaba muy ducho en esas lides, pues resultó que nos quedamos con las ganas de saber más y mejor de todo lo que este director podía contarnos. Aún así, lo poquito que nos dijó fue muy interesante. Él mismo se definió como un artesano del cine, al que llegó de casualidad, alejado de intelectualidades y creaciones artísticas, y confesó que va a trabajar todos los dias al plató como el que va a una oficina. Delega la construcción de la película en encontrar un buen guión, "yo soy casi analfabeto para escribir" dijo entre risas. Reconoció lo distinto que es rodar en Europa a rodar en Hollywood y lo diferentes que son las grandes estrellas cinematográficas, de las que dijo "que están en otro mundo, en otra dimensión distinta de la nuestra". De su última película "The Queen" dijo reconocer avergonzado y entre risas, que había gustado al sector más conservador de la sociedad británica y eso desde luego no significaba nada bueno. En el plano político fue muy crítico con el gobierno británico y especialmente con el anterior primer ministro, Tony Blair, sobre el que realizó un docudrama para la televisión, "The Deal". En todo momento derrochó buen humor y amplias sonrisas. Un lujo tener la posibilidad de oir hablar de cine a aquellos que lo realizan. Artesano, sí, pero artesano de los buenos, de los que saben hacer cine.

FILMOGRAFÍA

1971 DETECTIVE SIN LICENCIA (Gumshoe)
1979 BLOODY KIDS
1984 LA VENGANZA (The hit)
1985 MI HERMOSA LAVANDERIA (My beautiful laundrette)
1987 ÁBRETE DE OREJAS (Prick up your ears)
1987 SAMMY Y ROSIE SE LO MONTAN (Sammy and Rosie get laid)
1988 LAS AMISTADES PELIGROSAS (Dangerous liaisons)
1990 LOS TIMADORES (The grifters)
1992 HÉROE POR ACCIDENTE (Hero)
1993 CAFÉ IRLANDÉS (The snapper)
1996 MARY REILLY
1996 LA CAMIONETA (The van)
1998 HI-LO COUNTRY
2000 LIAM
2000 ALTA FIDELIDAD (High fidelity)
2002 NEGOCIOS OCULTOS (Dirty pretty things)
2005 MRS. HENDERSON PRESENTA (Mrs Henderson presents)
2006 THE QUEEN

Perdidos en Tokio

2008-09-09T00:00:00.000+02:00

Me consta que esta es una película de las que te gustan de verdad o no te interesan nada. De las que no dejan indiferente. Con dos actores embriagadores para la cámara. Con un Tokio que aparece ultramoderno, fascinante y pintoresco. Con situaciones totalmente surrealistas pero divertidas. Con esa historia de amor irrepetible con fecha de caducidad. "Nunca volvamos a Tokio porque nunca volverá a ser tan divertido", le dice Scarlett Johansson a Bill Murray. Pues eso. Ese momento único que queda grabado a fuego en la memoria pero que nunca jamás se podrá repetir. El tiempo único y feliz pero fugaz. Y la nostalgia infinita. Esa es la película. Como os abréis dado cuenta yo estoy entre los que les gusta (y mucho).

Os dejo con un trocito...

Video de GrrrArg

LOST IN TRANSLATION
Usa. 2003.
American Zoetrope / Elemental Films
Dirección: Sofía Coppola
Producción: Sofía Coppola & Francis Ford Coppola
Guión: Sofía Coppola
Música: Brian Reitzell & Kevin Shields
Fotografía: Lance Acord
Montaje: Towako Kuwajima & Tomomi Nishio
Vestuario: Nancy Steiner
Reparto: Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribisi, Anna Faris, Fumihiro Hayashi, Akiko Takeshita, Catherine Lambert, Akiko Monou
Color / 93 minutos

La eterna sonrisa

2008-09-01T13:48:00.001+02:00

Problemas con blogger y la inevitable abulia estival han dejado esta salita de cine bastante desatendida, intentaremos recuperar el pulso ahora con el inicio del curso...
Y lo hago recomendando efusivamente la exposición sobre Charles Chaplin que se lleva a cabo en el CaixaForum de Madrid y que estará abierta hasta el 19 de octubre: "Chaplin en imágenes".
Chaplin es una figura que trasciende el mundo del cine, por su significado y su importancia y por inventarse ese personaje de Charlot que revolucionó el mundo en los comienzos del siglo pasado. Chaplin es un creador completo, un auténtico artista. En el momento que tuvo todo el control sobre sus películas fue dándolas la forma que él quería y creando auténticas obras maestras donde realizaba desde el guión hasta la música. El cine sonoro significó el final de Charlot, personaje de gestos y situaciones que no encontró acomodo en la industria cinematográfica que surgió trás la incorporación del sonido. Chaplin siguió fiel a sus ideas y firmó una película muda ya en plena década de los años treinta (Tiempos modernos) dónde hizo hablar a su criatura en la divertidísima canción sin letra y lo despidió caminando por la carretera hacia el horizonte con la sonrisa en los labios. Chaplin todavía realizaría un puñado de obras maestras, pero su principal creación había perdido su sitio en el nuevo cine. En esta exposición tenemos la posibilidad de ver toda la evolución de Chaplin aderezada con imágenes de sus películas. Sin duda imprescindible para todos los amantes del cine.
Ahora Chaplin no es sólo un icono del cine, si no también de la cultura y de todo el siglo veinte. Pero lo mejor de todo es que la risa perdura, no perece ni se pierde con el tiempo. Su sonrisa es eterna...

Veamos un trocito de Luces de la ciudad, 1931

video de pablozama

Cine de verano

2008-08-07T01:05:00.007+02:00

Cine de verano. Cine de sesión doble, de descanso y bocadillos. Cine al aire libre con la ligera brisa acariciándonos y el cielo como techo de estrellas. Todos hemos disfrutado de alguna experiencia así. Cualquier manera de ver cine y de disfrutarlo es buena, pero sin duda estas sesiones de cine de verano son las que mejor gusto han dejado en nuestros recuerdos cinéfilos... Feliz verano...

Las vidas de John Huston

2008-07-27T19:15:00.005+02:00

"No tengo la menor idea de cómo llegué a este momento de mi vida, (Huston tenía 75 años), pero me hace feliz haber llegado precisamente hasta aquí. He perdido la huella de mis años. Creo que sí soy fuerte aún. Mi vida ha estado muy bien; ha estado compuesta de episodios azarosos, tangenciales, disparatados... cinco esposas, muchas relaciones, algunas más memorables que unos matrimonios, la cacería, las apuestas, los "pura sangre", pintar, coleccionar, boxear, escribir, dirigir, actuar. He vivido muchas vidas y me inclino a tener envidia al hombre que vive una sola vida, con una mujer, un trabajo, un país... bajo un solo Dios; quizás esa no sea una existencia emocionante, pero al menos cuando llega a mi edad sabe cómo ha llegado. Yo no sé. Solo cuento los nombres de aquellos que se han ido y de aquellos que aún están: los cuento como un pirata cuenta su botín al final de un largo viaje."

Entrevista de Waldemar Verdugo Fuentes a John Huston, publicada en la revista VOGUE. México. 1981.

Y un trozo de una de las películas más oscuras y elegíacas de su filmografía, The Misfits, Vidas Rebeldes, 1961...

Video de marilynfanonline

El cine de mi vida

2008-07-20T12:50:00.012+02:00

El tiempo pasa y nos damos cuenta que el cine forma parte indisoluble de nuestra memoria y nuestros recuerdos, que nos ha acompañado siempre...tomando prestada la idea de Ximo en In fernem land hago memoria de mis recuerdos de cine, seguro que no están todos los que son... pero todos los que están son maravillosos... larga vida al cine...

El encuadre de Kurosawa

2008-07-15T00:50:00.000+02:00

A veces pecamos de querer ver más de lo que hay y divagamos buscando explicaciones artísticas donde solamente hay casualidad. O a lo mejor el arte es eso, y los grandes creadores son capaces de hacer estupendas películas sin planificar en exceso, simplemente dando rienda suelta a su talento y creatividad. Sirva como ejemplo esta anécdota que cuenta Sidney Lumet en su libro "Así se hacen las películas. Sidney Lumet. Editorial Rialp. 1999." Cuenta Lumet que se encontró con Kurosawa en una reunión y aprovechó para comentarle con gran admiración que por qué se había decidido por un determinado encuadre en un plano de su película Ran, que le parecía una solución maestra. Kurosawa con toda tranquilidad le respondió que si hubiera girado la cámara un poquito más a la izquierda , una fábrica de Sony habría entrado en cuadro; y si la hubiese girado un poquito más a la derecha, nos habríamos topado con el aeropuerto; ni una ni otro se correspondían mucho con una película de época.
Lo dicho, a veces las cosas son más simples y casuales de lo que nosotros queremos verlas...
Ran (Akira Kurosawa, 1985)...

Video de jokerkiwi

Recuerdos de cine

2008-07-09T11:57:00.009+02:00

He paseado tantas veces por las calles de Manhattan. Y he hecho footing por los caminos de Central Park y me he sentado a la sombra de sus árboles a charlar tranquilamente. He cogido muchos taxis amarillos que me han hecho vivir los atascos de sus calles cuadriculadas y llenas de rascacielos. Cuantas noches he disfrutado de las luces de Broadway y cuantas veces me he parado en los escaparates de la quinta avenida. Me he peleado en el Bronx y me he perdido por Brooklyn. Y he visto anochecer a la sombra de su puente junto al rio. Pero nunca he estado en Nueva York. Hay lugares que hemos visto tantas veces en tantas películas que forman parte de nuestra memoria como si los hubiesemos vivido.

Manhattan, Woody Allen, 1979...

Video de zebaztian

Excesivo Buñuel

2008-07-05T00:33:00.003+02:00

"Siempre me ha parecido más atractiva la idea de incendiar un museo que la de abrir un centro cultural o fundar un hospital"

Luis Buñuel, "Mi último suspiro". 1982. Barcelona. Plaza & Janés SA Editores.

Y la famosísima escena del ojo rasgado de Un perro andaluz ("Un chien andalou", 1929) no apta para personas muy sensibles...

Video de josblz

Se nos apagan las luces de neón...

2008-06-29T11:01:00.006+02:00

El pasado lunes cerraba sus puertas el Palacio de la Música en la Gran Vía madrileña. Uno más de los muchos cines que van cerrando poquito a poco porque el público al parecer está dejando de acudir a las salas. Para alguien que ha sido tan feliz como yo en los cines es una noticia muy triste. Me imagino que es el impacto irrefrenable de las nuevas tecnologias y la falta de capacidad de las empresas cinematográficas para hacerlas frente lo que lleva a esta situación. Tiene difícil solución pero es una pena muy grande que los cines vayan echando el cierre, que las luces de neón y los carteles dejen de llenar calles como la Gran Vía y que esos lugares a los que uno entraba como a un templo de magia a vivir todo tipo de aventuras y experiencias y a ser feliz en definitiva ya estén dejando de existir. Espero que este declinar de los cines no sea imparable y que las películas no se acaben haciendo para consumirlas por Internet o DVD o Home Cinemas caseros...yo desde luego no cambio el mejor sonido, ni el sofá de mi casa, ni la pantalla extra plana, por el encanto maravilloso de la oscuridad de la sala, pertrechado en mi butaca con la pantalla grande y el sonido dolby sorround que como una puerta mágica nos ha llevado a mil mundos y nos ha contado tantas historias que nos hecho tan felices.

The End: Cyd Charisse

2008-06-23T19:03:00.008+02:00

Tenía las piernas más largas, más bonitas y más caras (llegó a entrar en el libro Guiness de los récords por el seguro que hizo de ellas en más de cinco millones de dólares), y bailaba con una mezcla de elegancia y sensualidad que la llevaron a ocupar un destacado lugar en ese cine clásico que estaba lleno de estrellas, cuando las estrellas eran de verdad y llenaban la pantalla sin necesidad de más luz que la que irradiaba su carisma. Bailó con los más grandes y en los más grandes musicales que se vieron en el cine. Pertenecía a ese cine de antaño, lleno de mitos, de estrellas que irremediablemente pero a un ritmo feroz se nos van apagando y sólo permanecen encendidas ya en nuestras memorias.

Descansa en paz Cyd Charisse...
Aquí la vemos bellísima y espléndida bailando con Fred Astaire en Melodías de Broadway (The Band Wagon, Vincente Minelli, 1953)...

Video de maryad4

FILMOGRAFÍA
1943 Something to Shout About de Gregory Ratoff
1943 Mission to Moscow de Michael Curtiz
1943 Thousands Cheer de George Sidney
1946 The Harvey Girls de George Sidney
1946 Ziegfeld Follies de Vincente Minelli, Roy Del Ruth, Robert Lewis, George Sidney, Lemuel Ayers, Merryl Pie, Charles Walters
1946 Three Wise Fools de Edward Buzell
1946 Till the Clouds Roll By de Richard Whorf
1947 Fiesta Brava (Fiesta) de Richard Thorpe
1947 The Unfinished Dance de Henry Koster
1948 En una isla contigo (On an Island wit You) de Richard Thorpe
1948 The Kissing Bandit de Laslo Benedek
1948 Words and Music de Norman Taurog
1949 Tension de John Berry
1949 Mundos opuestos (East Side, West Side) de Mervin LeRoy
1951 La Marca del renegado (Mark of the Renegade) de Hugo Fregonese
1952 Cantando bajo la lluvia (Singin' in the Rain) de Stanley Donen y Gene Kelly
1952 Norte salvaje (The Wild North) de Andrew Marton
1953 Sombrero de Norman Foster
1953 Melodías de Broadway (The Band Wagon) de Vincente Minelli
1953 Fácil de amar (Easy to Love) de Charles Walters
1954 Deep in My Heart de Stanley Donen
1954 Brigadoon de Vincente Minelli
1955 Siempre hace buen tiempo (It's Always Fair Weather) de Stanley Donen y Gene Kelly
1956 Meet Me in Las Vegas de Roy Rowland
1957 La Bella de Moscú (Silk Stockings) de Rouben Mamoulian
1958 El Crepúsculo de los audaces (Twilight for the Gods) de Joseph Pevney
1958 Chicago años 30 (Party Girl) de Nicholas Ray
1960 Los ballets de Paris (1-2-3-4 ou Les Collants noirs) de Terence Young
1961 Five Golden Hours de Mario Zampi
1962 Dos semanas en otra ciudad (Two Weeks in Another Town) de Vincente Minelli
1965 Assassinio made in Italy de Silvio Amadio
1966 Los Silenciadores (The Silencers) de Phil Karlson
1967 Maroc 7 de Gerry O'Hara
1976 Won Ton Ton, the Dog Who Saved Hollywood de Michael Winner
1978 Los Conquistadores de Atlantis (Warlords of Atlantis) de Kevin Connor
1989 Visioni private de Antonino Bruschetta, Francesco Calogero, Donald Ranvaud

Paris

2008-06-14T00:41:00.004+02:00

Paris es la ciudad más bonita del mundo. Ha servido de escenario cinematográfico al mayor número de historias de amor imaginable. Sus puentes sobre el Sena, sus calles, sus barrios, su Notre Dame con jorobado y gárgolas, su Ópera con fantasma, su Gioconda, sus jardines, sus monumentos e incluso sus cementerios. Todo parece sacado de la mejor puesta en escena para una película. Pero la mejor película es poder viajar a Paris y verla.

...Paris je t'aime (Silvayn Chomet, 2006)

video de danielcamblor

La Garbo habla

2008-06-09T00:02:00.006+02:00

Hacía memoria Borges en una entrevista, ya mayor, de sus mejores recuerdos cinematográficos y en ellos tenía un lugar destacado Greta Garbo...

"Yo estaba enamorado de ella, como todos los hombres en mi época. En Anna Christie (Clarence Brown, 1930) Greta Garbo llegaba de la noche y de la niebla y entraba a un bar de marineros en donde había un largo mostrador. Ella comenzaba a caminar lentamente y todos los hombres del mundo sabíamos que cuando terminara el recorrido íbamos a oír la voz de Greta Garbo por primera vez y eso iba a ser como si hablara un dios. El mostrador era larguísimo. Cuando llegó al final ella dijo, simplemente, con su voz ronca "I want a scotch" y todos temblamos..."

Jorge Luis Borges

La escena no es exactamente como la recuerda Borges, pero sin duda el sentimiento de los espectadores en aquel momento sí era ese. Trasladémonos en el tiempo hasta ese momento y veamos la escena de la película donde la divina Garbo habló por primera vez en el cine...

Video de tequilaal

The End: Mel Ferrer

2008-06-06T22:09:00.002+02:00

Sin ánimo de convertir este blog en un obituario, no quería dejar pasar la ocasión de hacer una breve mención a Mel Ferrer que falleció el pasado lunes a la edad de 90 años. Aunque actualmente se le recuerda más por haber sido el primer marido de la adorable Audrey Hepburn, participó de una manera destacable en un puñado de buenas películas del Hollywood clásico. lo que le lleva a ocupar un lugar en nuestros recuerdos cinematográficos. Trabajó en todos los oficios y en todos los ámbitos: bailarín, actor, productor, director,teatro, cine y televisión. Una carrera muy larga que dió para lo bueno y para lo malo, pero sobre todo le dió la oportunidad de participar en algunas de esas películas maravillosas que se hicieron con un lugar en nuestra retina. Desde Lili, pasando por Guerra y paz, hasta Scaramouche o Encubridora. Pertenecía a esa categoría de los feos flacos pero atractivos, tipología que encarnó con gran personalidad. Mel Ferrer se incorpora al parnaso y enciende su luz en las candilejas de nuestra memoria cinematográfica. Y nosotros nos quedamos con una escena de Lili (1953, Charles Walters)

Video de Amarcord222

FILMOGRAFÍA ESCOGIDA
1949 EL COLOR DE LA SANGRE (Lost boundaries) de Alfred L.Werker
1950 NACIDA PARA EL MAL (Born to be bad) de Nicholas Ray
1951 THE BRAVE BULLS (The brave bulls) de Robert Rossen
1952 ENCUBRIDORA (Rancho notorious) de Fritz Lang
1952 SCARAMOUCHE (Scaramouche) de George Sidney
1953 LOS CABALLEROS DEL REY ARTURO (Knights of the round table) de Richard Thorpe

1953 LILI (Lili) de Charles Walters
1955 OH... ROSALINDA! (Oh... Rosalinda!) de Michael Powell
1956 GUERRA Y PAZ (War and peace) de King Vidor
1956 ELENA Y LOS HOMBRES (Elena et les hommes) de Jean Renoir
1957 FIESTA (The sun also rises) de Henry King
1958 LA MUCHACHA DE BERLIN (Fräulein) de Henry Koster
1961 LAS MANOS DE ORLAC (The hands of Orlac) de Edmond T.Gréville
1962 EL DÍA MÁS LARGO (The longest day) de Ken Annakin
1964 LA PÍCARA SOLTERA (Sex and the Single Girl) de Richard Quine
1964 LA CAÍDA DEL IMPERIO ROMANO (The Fall of the Roman Empire)de Anthony Mann
1966 EL GRECO (El Greco) de Luciano Salce
1971 TIEMPO DE AMAR (Time for Loving) de Christopher Miles
1973 LA CHICA DEL MOLINO ROJO de Eugenio Martín
1975 EXTRAÑA MUERTE DE UNA MENOR (Morte sospetta di una minorenne) de Sergio Martino
1975 BRANNIGAN (Brannigan) de Douglas Hickox
1977 LA CHICA DEL PIJAMA AMARILLO (La ragazza del pigiama giallo) de Flavio Mogherini
1981 LILI MARLEN (Lilí Marlene) de R.W.Fassbinder

¡Tú no eres Brian de Palma!

2008-06-02T00:44:00.001+02:00

Relata Brian de Palma una divertida anécdota en el libro "Brian de Palma por Brian de Palma". Samuel Blumenfeld & Laurent Vauchand. Alba editorial. 2003

"Navego muchas veces por Internet con mi propio nombre, pero a nadie se le ocurre que pueda ser yo. Una vez, un tipo me hizo un test para ver si era de verdad Brian de Palma. ¡Y no pasé el test!. Me dijo "Usted no es Brian de Palma". Le contesté: "Que si, en serio", "Vale, pues a ver si es capaz de decirme, en Vestida para matar, cuando Dennis Franz se vuelve hacia su mesa, ¿Qué va a coger?". Si hubieran visto la cara que se me puso. Y el individuo aquél exclamaba: "Ajaja! ¡No lo sabe! ¿No lo decía yo que no era?". Hay varios sitios dedicados a mí en Internet. A los individuos que hacen esos sitios no hay quien los pille en un renuncio. Lo saben todo de mí. Y escriben cosas muy pertinentes. Es mejor leerlos a ellos que a muchos críticos convencionales..."

Así que ya sabéis, si os encontráis con Brian de Palma por Internet no le vaciléis que es el verdadero...os dejo con la hitchconiana e inquietante escena de Angie Dickinson en el museo de Vestida para matar (Dressed to Kill, 1980)...

Video de paikov

The End: Sidney Pollack

2008-05-28T18:26:00.006+02:00

"Las peliculas cuando salen bien se parecen a un sueño, como la forma de una escultura o la de un edificio cuando la luz los ilumina"
Sidney Pollack

Se nos fue Sidney Pollack. Víctima de un cáncer veloz a la edad de 73 años. Era uno de los directores más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Un hombre sensato, capaz, con personalidad, oficio y talento. En definitiva un estupendo director de cine. Y eso que empezó como actor, compartiendo comienzos con Robert Redford, que sería su alter ego en la mayoría de sus películas. Pronto se da cuenta de que su lugar está en la dirección y con la ayuda de Burt Lancaster que le aconseja y le presenta a los gerifaltes de las productoras da el paso desde la televisión, la cuna de todos los directores de su generación hasta llegar al cine haciendo una entrada más que notable. Sus películas no sólo estaban bien hechas sino que además tenían contenido. "Me da envidia como trabajan en Europa, allí puedes dedicarte a decir sólo lo que quieras, aquí tienes que hacer además una película espectacular y entretenida. La gente no va más allá, en Tál como éramos se quedó en la historia de amor, cuando además tenía un fondo muy crítico". Comprometido con la realidad, Pollack no quería quedarse en el envoltorio y siempre intentó dar a sus películas un contenido. Un director con caracter, entrega y cuidadoso al máximo. "las películas son como una obra musical y deben ir perfectamente ensambladas" Alcanzó su máxima popularidad con Memorias de África, que le valdría un Oscar y el reconocimiento unánime del mundo del cine. A partir de ese momento sus películas no fueron ya tan buenas, y acertó más con su labor de producción. No abandonó su labor de actor e intervino en películas de Woody Allen o Stanley Kubrick, "actuo para fisgar a los directores". Gran conversador, culto y elegante. Una gran pérdida para el mundo del cine que no está tan sobrado de excelentes valores. Otra más en este annus horribilis. Algunos de los planos más bellos de las últimas décadas fueron suyos. Sabía hacer cine con la elegancia y el talento de los grandes directores clásicos. Seguramente nadie nos muestre África tan bonita como lo hizo él. Descansa en paz y gracias por haber contribuido a nuestra felicidad.

Os dejo con África y Robert Redford y Meryl Streep...

Video de kicsinyuszi

FILMOGRAFÍA COMO DIRECTOR

1965 The Slender Thread
1966 Propiedad condenada (This Property Is Condemned)
1968 El nadador (The Swimmer) Co-director con Frank Perry
1968 Camino de la venganza (The Scalphunters)
1968 La fortaleza (Castle Keep)
1969 Danzad, danzad, malditos (They Shoot Horses, Don't They?)
1972 Las aventuras de Jeremiah Johnson (Jeremiah Johnson)
1973 Tal como éramos (The way we were)
1975 Los tres días del Cóndor (Three Days of the Condor)
1975 Yakuza (The Yakuza)
1977 Un instante, una vida (Bobby Deerfield)
1979 El jinete eléctrico (The Electric Horseman)
1981 Ausencia de malicia (Absence of Malice)
1982 Tootsie (Tootsie)
1985 Memorias de África (Out of Africa)
1990 Habana (Havana)
1993 La tapadera (The Firm)
1995 Sabrina y sus amores (Sabrina)
1999 Caprichos del destino (Random Hearts)
2005 La intérprete (The Interpreter)
2005 Apuntes de Frank Gehry (Sketches of Frank Gehry)

La brevedad de Truffaut

2008-05-26T22:43:00.010+02:00

Todo lo que se halla en los dominios de las emociones reclama lo absoluto. Un niño quiere a su madre toda la vida, los amantes quieren amarse para siempre, todo en nosotros reclama lo permanente a pesar de que la vida nos enseña lo provisional...

Francois Truffaut

...el final de Los cuatrocientos golpes (Les quatre cents coups, 1959)

Video de laggos

El regreso de Indiana Jones

2008-05-22T12:33:00.003+02:00

A principios de los ochenta, George Lucas y Steven Spielberg decidieron reinventar el género de aventuras. Deseosos de recuperar ese cine de aventuras clásico, el que habían visto y disfrutado en su niñez, y con la intención de hacer el cine que les gustaria volver a ver y disfrutar, se inventaron a Indiana Jones. Y lo hicieron inspirándose en las fuentes de la aventura clásica y con la sana intención de divertirse y divertirnos a todos. Y todos los niños de una generación, y los no tan niños, disfrutamos con las aventuras del arqueólogo de látigo en ristre, sombrero y chaqueta de cuero. En busca del arca perdida, del templo maldito o del santo grial. Qué agradecidos les estamos.
Veinte años después de la última aventura de Indiana, George Lucas, Steven Spielberg y Harrison Ford recuperan el látigo y el sombrero con la maravillosa intención de volver a hacernos pasar un rato inolvidable. Veinte años después nos volvemos de nuevo niños, cogemos las palomitas e intentaremos disfrutar tanto como en aquellas ocasiones. Ojalá lo consigan.
Os dejo con la trepidante escena inicial, y ya mítica, de En busca del arca perdida (Raiders of the lost Ark, Steven Spielberg, 1981)

Video de JonMongasCineMoment

FILMOGRAFÍA
1981 En busca del arca perdida (Raiders of the Lost Ark) de Steven Spielberg
1984 Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and the Temple of Doom) de Steven Spielberg
1989 Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and the Last Crusade) de Steven Spielberg
2008 Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull) de Steven Spielberg

Lo que pudo haber sido y no fue

2008-05-20T18:13:00.003+02:00

Todos conocemos ejemplos de películas que estuvieron a punto de protagonizar otros actores y actrices de los que al final terminaron apareciendo en pantalla. Es un interesante ejercicio de imaginación el pensar como habrían sido esas películas si los protagonistas hubieran sido otros.

Luchino Visconti quería para el papel del joven y deseado Tazio, en Muerte en Venecia, a un jovencísimo Miguel Bosé, pero una furibunda oposición paterna hizo que el papel lo acabase interpretando un joven actor sueco Björn Johan Andrésen, que agotó toda su trascendencia cinematográfica con esta película.
Otro debut que no pudo ser fue el de Montgomery Clift, requerido y firmado ya por Billy Wilder para protagonizar El crepúsculo de los dioses, se retiró del proyecto porque en su vida real circulaba el rumor de un affair con una poderosa mujer casada y consideró que no le convenía participar en un película con un argumento que podía remover de nuevo el tema. Tampoco participó Mae West, que era la opción primera que quería Wilder para interpretar a la diva del cine mudo. Al parecer Mae se sintió muy ofendida por plantearle siquiera ese papel y lo rechazó bastante airada. Le volvería a pasar lo mismo a Billy Wilder en una de sus últimas películas, Fedora, donde Wilder pretendió que fuera Marlene Dietrich quien interpretase a la actriz retirada del mundanal ruido, y la Dietrich también se sintió bastante molesta con la proposición y le dió calabazas.
Otro sonado pudo ser pero no, lo protagonizó Gregory Peck con Sólo ante el peligro. Peck que acababa de realizar El pistolero, no quería abusar de roles del oeste y dijo no, para felicidad de Gary Cooper.
Más de Wilder, para La tentación vive arriba, a Wilder le gustó un actor poco conocido que había hecho una estupenda prueba en el casting, que era ni más ni menos que Walter Matthau, pero el estudio tenía fichado ya al insulso Tom Ewell, que sería finalmente el que vería volar la falda de Marilyn. También se truncaron sus deseos de contar con Cary Grant como protagonista de una de sus películas, le quiso para Sabrina y Ariane, pero entre los compromisos del actor y que éste no terminaba de ver muy claros los proyectos, ninguno de ellos se concretó. También Cary Grant era la primera opción de la Ninotchka de Ernst Lubitsch, papel que acabaría realizando Melvyn Douglas. Lo mismo le ocurrió a Marlon Brando con Rebelde sin causa, barajado como primera opción, al final el papel se quedó en manos del mítico James Dean. Por cierto Brando estaba en una terna de actores que el estudio le propuso a William Wyler para protagonizar Ben-Hur, además de Brando, los productores tenían en mente a Burt Lancaster o Rock Hudson para hacer del mítico romano, pero las dificultades para contratarlos hicieron que Wyler se saliera con la suya pues el siempre apostó por un menos conocido Heston para el papel que le encumbraría.
Y ejemplos más recientes son los de, Luis Buñuel, que era el elegido por Woody Allen para realizar la aparición en la cola del cine de Annie Hall, sacando los colores a un pseudointelectual pelmazo, pero al final no hubo acuerdo y fue sustituido por el filósofo Marshall McLuhan.
Por último, Scorsese, para interpretar a su atormentado Jesucristo de La última tentación, barajó como primera opción a su inseparable De Niro, pero por imposibilidad de fechas fue descartado por Aidan Quinn, que al final tampoco pudo ser el protagonista por la excesiva demora del rodaje. El papel acabó en las manos de Willem Dafoe.
Ahora muchas de esas películas se nos harían rarísimas sin los intérpretes con las que las hemos conocido siempre, pero el ejercicio de imaginación de lo que pudo haber sido y no fue, resulta en muchos casos cuando menos curioso.
Ahí tenéis la divertida escena de Annie Hall referida, para la cuál Woody Allen pensó en Buñuel, pero que acabó interpretando McLuhan.

Video de paolofrago

PELÍCULAS CITADAS

1939 NINOTCHKA (Ninotchka) de Ernst Lubitsch
1950 EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES (Sunset Boulevard) de Billy Wilder
1952 SOLO ANTE EL PELIGRO (High Noon) de Fred Zinnemann
1954 SABRINA (Sabrina) de Billy Wilder
1955 REBELDE SIN CAUSA (Rebel without a cause) de Nicholas Ray
1955 LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA (The Seven Year Itch) de Billy Wilder
1957 ARIANE (Ariane) de Billy Wilder
1959 BEN-HUR (Ben-Hur) de William Wyler
1971 MUERTE EN VENECIA (Morte a Venezia) de Luchino Visconti
1977 ANNIE HALL (Annie Hall) de Woody Allen
1978 FEDORA (Fedora) de Billy Wilder
1988 LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (The Last Temptation of Christ) de Martin Scorsese

Sinatra

2008-05-14T00:00:00.002+02:00

Diez años sin La Voz. Tal día como hoy hace diez años moría Frank Sinatra. Un símbolo. Todo un icono del mundo del espectáculo y de la época dorada de Hollywood . "Es el mayor responsable de la llegada de muchos niños al mundo" dice Manuel Vicent. Desde luego es el responsable de que a muchos nos encanten canciones maravillosas que en su voz sonaban aún más maravillosas todavía. Hijo de inmigrantes italianos, empieza en el mundo del espectáculo como cantante y así es como llega al cine, a participar en películas musicales que aprovechan su extraordinaria voz. Sinatra se convierte en una gran estrella musical y radiofónica, aunque en el cine no termina de hacer grandes películas, exceptuando los musicales Levando anclas y Un dia en Nueva York. A principios de los cincuenta pasa por una crísis importante a nivel personal y profesional. Saldrá de ella gracias a su participación en De aquí a la eternidad, de Fred Zinnemann, que además de devolverle a la primera página de la actualidad, le valdría un Oscar como mejor actor secundario. Iniciará así su mejor etapa en el cine, con películas como El hombre del brazo de oro de Preminger, Ellos y ellas de Manckiewiz, Como un torrente de Minelli o Millonario de ilusiones de Capra. En esta época se forma su famosa pandilla "Rat Pack",integrada por Bogart, Lawford, Dean Martin y Sammy Davis Jr, entre otros. Al parecer el nombre se lo puso Lauren Bacall cuando se los encontró a todos en su casa bebiendo y jugando a las cartas. Será con Martin, Davis Jr y Lawford con los que protagonice una serie de películas que los juntaron a todos, donde destaca Ocean´s Eleven de Lewis Milestone. Concentrado más en su carrera musical y en sus negocios y con una vida personal basada en el exceso, sufrirá un último repunte de calidad cinematográfica al protagonizar un par de películas de cine negro a finales de los sesenta donde destaca The detective, de Gordon Douglas. Participó en mas de cincuenta películas. Se hizo grande con su voz más poderosa que cualquier orquesta. Amó a las mujeres más bellas. Fue amigo de políticos y de gangsters. Participó en multitud de juergas en Hollywood, viviendo siempre al máximo. Rey de los excesos. Lleno de ambición y de talento. Bajito, flacucho y feo, pero con unos penetrantes ojos azules. Su figura es una de aquellas bigger than life, pero por encima de todas las cosas siempre será La Voz. Y qué voz.
Os dejo con un trozo de Siempre tú y yo (Young at heart, Gordon Douglas, 1954)

Video de WACOAGENTS

FILMOGRAFÍA SELECCIONADA
1943 Un joven a la aventura (Steep Lively) de Tim Whelan
1944 Cada vez más arriba (Higher and Higher) de Tim Whelan
1945 Levando anclas (Anchors Aweigh) de George Sidney
1946 Hasta que las nubes pasen (Till the Clouds Roll by) de Richard Whorf
1948 El milagro de las campanas ( The Miracle of the Bells) de Irving Pichel
1949 Un día en Nueva York (On the Town) de Stanley Donen y Gene Kelly
1949 Llévame a ver un partido (Take Me Out to the Ball Game) de Busby Berkeley
1953 De aquí a la eternidad ( From Here to Eternity ) de Fred Zinnemann
1954 Siempre tú y yo ( Young at Heart ) de Gordon Douglas
1954 De repente (Suddenly ) de Lewis Allen
1955 El Solterón y el amor (The Tender Trap ) de Charles Walters
1955 El hombre del brazo de oro (The Man with the Golden Arm ) de Otto Preminger
1955 No serás un extraño (Not as a Stranger) de Stanley Kramer
1955 Ellos y ellas (Guys and Dolls) de Joseph L. Mankiewicz
1956 Alta sociedad (High Society) de Charles Walters
1957 Orgullo y pasión (The Pride and the Passion) de Stanley Kramer
1957 Pal Joey (Pal Joey ) de George Sidney
1958 Como un torrente (Some Came Running) de Vincente Minnelli
1959 Millonario de ilusiones (A Hole in the Head) de Frank Capra
1959 Cuando hierve la sangre (Never So Few) de John Sturges
1960 La Cuadrilla de los once (Ocean’s Eleven) de Lewis Milestone
1960 Can-Can (Can-Can) de Walter Lang
1961 El Diablo a las cuatro (The Devil at 4 O’Clock) de Mervyn LeRoy
1962 El Mensajero del miedo (The Manchurian Candidate) de John Frankenheimer
1963 El Último de la lista (The List of Adrian Messenger) de John Huston
1963 Cuatro tíos de Texas (4 for Texas) de Robert Aldrich
1963 Gallardo y calavera (Come Blow Your Horn) de Bud Yorkin
1964 Cuatro gángsters de Chicago (Robin and the 7 Hoods) de Gordon Douglas
1965 El Coronel Von Ryan (Von Ryan’s Express) de Mark Robson
1965 Todos eran valientes (None But the Brave) de Frank Sinatra
1965 Divorcio a la americana (Marriage on the Rocks) de Jack Donohue
1966 Asalto al Queen Mary (Assault on a Queen) de Jack Donohue
1966 La sombra de un gigante (Cast a Giant Shadow) de Melville Shavelson
1967 Atrapado (The Naked Runner) de Sidney J. Furie
1968 La mujer de cemento (Lady in Cement) de Gordon Douglas
1968 The detective (The Detective) de Gordon Douglas
1970 Duelo de pillos (Dirty Dingus Magee) de Burt Kennedy
1974 De Érase una vez en Hollywood (That’s Entertainment!) de Jack Haley Jr.
1975 A Salute to Orson Welles (A Salute to Orson Welles)
1976 Hollywood, Hollywood (That’s Entertainment, Part II) de Gene Kelly
1977 Contract on Cherry Street (Contract on Cherry Street) de William A. Graham
1980 El primer pecado mortal (The First Deadly Sin) de Brian G. Hutton
1985 Esto sí es bailar (That’s Dancing!) de Jack Haley Jr.

La cámara de John Ford

2008-05-12T00:00:00.000+02:00

"Cuando me preguntan por qué practicamente no muevo la cámara, respondo que es porque los actores están mucho mejor pagados que los maquinistas. Es normal entonces que trabajen y se muevan un poco más..."

John Ford

...el maravilloso final de Centauros del desierto (The searchers, 1956)

Video de clinisbud

La silla de Fernando

2008-05-10T06:58:00.000+02:00

Hace casi seis meses murió Fernando Fernán-Gómez. Y hace dos años, David Trueba y Luis Alegre realizaban una película-documental-conversación donde Fernán-Gómez hablaba frente a la cámara sobre lo divino y lo humano. Rodaron más de veinte horas de conversaciones, pero en la película sólo utilizaron 85 minutos que se nos hacen terriblemente cortos. Fernán-Gómez era una figura apasionante, aparte de un creador con mayúsculas (actor, escritor, director, dramaturgo,...), era una mente tan lúcida que su conversación resulta un privilegio, nos pasaríamos horas y horas escuchándole arrebatados sin importarnos si quiera de que estuviese hablando. Carlos Boyero habla más y mejor que yo sobre Fernán-Gómez y sobre el documental La silla de Fernando en este artículo: “Uno, grande y libre” . Lamentablemente su silla se quedó vacía hace seis meses, su pérdida es irreparable no sólo para el mundo del cine y de la cultura, sino para el mundo en general, puesto que no nos sobran personas tan geniales como él. A partir de ahora, además de en todas sus películas y sus libros, podemos reencontrarnos con él, con su rotunda y sugerente voz envolviéndonos en su magnífica conversación desde su silla, para permanecer a sus pies como niños fascinados que nunca nos cansaremos de escucharle. Nunca sabremos darles del todo las gracias a David Trueba y Luis Alegre por hacernos participes de la maravillosa experiencia de escuchar a Fernando Fernán-Gómez, de acercarnos su silla a nuestra butaca del cine.

PS. Rosebud felicidades y que el cine te siga haciendo feliz...

Video de jetade

LA SILLA DE FERNANDO
España, 2006
Turner Broadcasting System, S.L
Directores: David Trueba, Luis Alegre
Guión: David Trueba, Luis Alegre
Fotografía: Mischa Lluch
Reparto: Fernando Fernán Gómez
Color/ 85 minutos

Griffith & Welles

2008-05-05T23:10:00.000+02:00

Contaba Orson Welles...
“Me encontré con D.W. Griffith una sola vez (...) Era la edad de oro de Hollywood, pero para el más grande de los directores había sido una década triste y vacía. El cine, que él había virtualmente inventado, se había convertido en el producto – producto único - de la cuarta industria más grande de América, y, en la cadena sin fin de las mastodónticas fábricas cinematográficas, no había sitio para Griffith. Era un exiliado en su propia ciudad, un profeta sin honores, un artesano sin herramientas, un artista sin trabajo. “
“No me extraña que me odiara. Yo, que nada sabía sobre el cine, había conseguido la mayor libertad jamás otorgada por escrito en un contrato de Hollywood. Era el contrato que él se merecía. Yo veía que no era demasiado viejo para ello, y no podía criticarle por sentir que yo era demasiado joven.”
“(...) Yo le amaba y le veneraba, pero él no necesitaba un discípulo. Necesitaba un trabajo. Nunca he odiado realmente a Hollywood a no ser por el trato que dio a D.W. Griffith. Ninguna ciudad, ninguna industria, ninguna profesión ni forma de arte deben tanto a un solo hombre.”

BLANQUER, Francesc, D.W. GRIFFITH,
(Filmoteca Nacional de España, Barcelona, 1979)

Video de Ishexan

LIRIOS ROTOS
(Broken Blossoms)
USA, 1919
Productor: David W.Griffith
Director: David W.Griffith
Guión: David W. Griffith, Thomas Burke
Música: David W.Griffith
Fotografía: G.W. Bitzer
Reparto: Lillian Gish, Richard Barthelmess, Donald Crisp, Arthur Howard, Edward Peil Sr., George Beranger, Norman Selby.
B/N. Muda. 90 minutos.

Para Raquel

2008-05-03T09:08:00.000+02:00

FELICIDADES...

Video de FloraSiami

Video de solvangen

Gary Cooper & Picasso

2008-05-01T12:05:00.000+02:00

Cuenta Jeffrey Meyers en su libro "Gary Cooper, el héroe americano",que a través de un amigo común, Gary Cooper y su familia, su mujer y su hija María que era pintora, fueron invitados por Picasso a su casa. Tanto Cooper como Picasso tenían muchas ganas de conocerse y se admiraban mutuamente. Gary le llevó un sombrero de cowboy y dos pistolas que había utilizado en una de sus películas. Picasso lo recibió encantado y se hizo fotos vestido de vaquero. Él le regaló una de sus pinturas improvisadas y entonces le dijo respecto a su hija María,

-Me gusta el trabajo de María y lo entiendo.

A lo que Gary Cooper le respondió,

-Pues a mí el tuyo me gusta, pero no lo entiendo.

Os dejo con Gary Cooper y Marlene Dietrich a la luz de la luna en la película Desire (Frank Borzage, 1936)

Video de SergioOliver

La magia de crear

2008-04-28T00:57:00.000+02:00

"...el cine es un modo divino de narrar la vida, de competir con el Padreterno. Ningún otro oficio permite crear un mundo que se asemeje tanto al que conoces, pero también a los demás mundos desconocidos, paralelos, concéntricos. Pienso que el lugar ideal es el estudio de Cinecittá vacío..."

Federico Fellini
(Conversaciones con Fellini, Giovanni Grazzini)

...y así fue como le surgieron escenas maravillosas como ésta...
(La Dolce Vita, 1960)

Video de tisoridiroma

Cine & Libros

2008-04-23T19:47:00.000+02:00

"Si mis libros fueran peores, no me habrían llamado de Hollywood, y si fueran mejores yo no habría venido"
Raymond Chandler

Hoy es día del libro y es el mejor momento para hablar de cine y literatura. Ambos forman una pareja bien consolidada desde los inicios del séptimo arte. El cine encontró en la literatura los mejores argumentos para hacer películas (Alfred Hitchcock decía que era una estupidez y una pérdida de tiempo escribir guiones originales con todos los libros que había ya escritos). Y desde entonces hasta hoy, las principales novelas de la historia de la literatura, y muchas otras que no lo eran tanto, han tenido su adaptación cinematográfica. ¿libro o película? Eterno debate. En muchos casos las adaptaciones han resultado magníficas, en otros muchos honrosas y en otros tantos un desastre. Está claro que la mayoría de las veces, si hemos leído el libro, la adaptación cinematográfica nunca llega a estar a la altura de la película que habíamos imaginado. Aunque no siempre es así y seguro que todos recordamos buenas películas de libros que hemos leído. Yo he recordado veinte adaptaciones de cine que me gustaron. Seguro que vosotros recordaréis otras tantas. Sirva como homenaje al libro, la impactante escena de la película de Truffaut "Fahrenheit 451". Y no dejéis de leer ni de ver cine.

Video de zuebee

ADAPTACIONES DE CINE

1940 Las uvas de la ira (The Grapes of Wrath) de John Ford
(basada en The Grapes of wrath de John Steinbeck, 1939)
1948 Hamlet (Hamlet) de Laurence Olivier
(basada en Hamlet de William Shakespeare,1601)
1954 20000 leguas de viaje submarino (20,000 Leagues Under the Sea) de Richard Fleischer
(basada en Vingt mille lieues sous les mers de Jules Verne, 1869)
1956 Moby Dick (Moby Dick) de John Huston
(basada en Moby Dick de Herman Melville, 1851)
1956 Guerra y paz (War and Peace) de King Vidor
(basada en Vojna i mir de León Tolstói, 1869)
1957 Testigo de cargo (Witness for the Prosecution) de Billy Wilder
(basada en The Witness for the Prosecution and Other Stories de Agatha Christie, 1948)
1959 Nazarín de Luis Buñuel
(basada en Nazarín de Benito Pérez Galdós, 1895)
1962 Lolita (Lolita) de Stanley Kubrick
(basada en Lolita de Vladimir Nabokov, 1955)
1963 El gatopardo (Il Gattopardo) de Luchino Visconti
(basada en Il Gattopardo de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, 1957)
1963 El proceso (Le procès) de Orson Welles
(basada en Der Prozess de Franz Kafka, 1925)
1965 Doctor Zhivago (Doctor Zhivago) de David Lean
(basada en Doctor Zhivago de Boris Pasternak, 1957)
1966 Fahrenheit 451 (Fahrenheit 451) de FranÇois Truffaut
(basada en Fahrenheit 451 de Ray Bradbury, 1953)
1968 2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey) de Stanley Kubrick
(basada en The sentinel de Arthur C.Clarke, 1951)
1971 Muerte en Venecia (Morte a Venezia) de Luchino Visconti
(basada en Der Tod in Venedig de Thomas Mann, 1912)
1979 Apocalypse Now (Apocalypse Now) de Francis Ford Coppola
(basada en Heart of Darkness de Joseph Conrad, 1899)
1984 Los santos inocentes de Mario Camus
(basada en Los santos inocentes de Miguel Delibes, 1982)
1986 El nombre de la rosa (der name der rose) de Jean-Jacques Annaud
(basada en Il nome della rosa de Umberto Eco, 1980)
1987 Dublineses (The dead) de John Huston
(basada en Dubliners de James Joyce, 1914)
1988 Las amistades peligrosas (Dangerous Liaisons) de Stephen Frears
(basada en Las relaciones peligrosas de Choderlos de Laclos, 1782)
1995 El perro del hortelano de Pilar Miró
(basada en El perro del hortelano de Lope de Vega, 1618)

La comedia más triste del mundo

2008-04-21T22:03:00.000+02:00

(Jack Lemmon, devolviéndole el espejo de mano)
"Está roto"
(Shirley MacLaine)
"Sí, me gusta así. Me veo tal como me siento"

"No me planteé hacer una comedia. No la considero una comedia. Pero cuando la gente ríe, no discuto". Efectivamente "El Apartamento" tiene poco de comedia y mucho de drama y sobre todo tiene mucho de grandísima película. Nacida como una idea que se le ocurrió a Wilder después de ver "Breve Encuentro" (David Lean, 1945), pensando como sería la vida de aquella persona que presta su apartamento a los amantes furtivos y que se encuentra las sábanas calientes de su cama cuando vuelve a casa, "El Apartamento" es una película agridulce con grandes dósis de un realismo dramático atronador. El desbordante ingenio de Wilder y de su fiel compañero de guiones I.A.L.Diamond, unido a la bis cómica del estupendo Jack Lemmon, consigue arrancarnos en más de una ocasión la sonrisa y nos hace pensar que la película se mueve en los cauces de la comedia cuando se trata de una tragedia bastante descarnada."No es una película sobre lo maravillosa que es la vida. Es una película sobre cómo es la vida". Poco más se puede decir de una película que lo tiene todo, un guión redondo, unos actores magníficos, una soberbia dirección, una extraordinaria ambientación, (fantástica la recreación de la gigantesca sala de trabajo de la empresa de seguros y del apartamento de Lemmon). Probablemente la cúspide de la obra de Wilder y una de las cimas de la historia del cine.
Os dejo con el maravilloso final, sí ya la habéis visto merece la pena recordarlo, no en vano ha sido elegido en varias encuestas de revistas de cine como uno de los grandes finales de película de la historia. Si no la habéis visto, entonces es mejor que veáis la película entera y no encendáis el youtube...que envidia los que podáis disfrutar de ella por primera vez...

Video de ForoLoQueYoTeDiga

EL APARTAMENTO
(The Apartment)
USA, 1960, MGM
The Mirisch Company Inc
Productor: Billy Wilder
Director: Billy Wilder
Productores Asociados: I.A.L.Diamond, Doane Harrison
Guión: Billy Wilder & I.A.L.Diamond
Fotografía: Joseph LaShelle
Director Artístico: Alexander Trauner
Música: Adolph Deutsch
Reparto: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Fred MacMurray, Ray Walston, Jack Kruschen, David Lewis, Hope Holiday, Joan Shawlee, Edie Adams, Johnny Seven, Naomi Stevens, Joyce Jameson, David White, Willard Waterman.
B/N. 125 minutos

Enamorados del cine

2008-04-16T23:35:00.000+02:00

"Toda mi vida he sido un defensor de las actrices -y los actores- guapos. Por lo que siempre he considerado que Cary Grant y John Wayne eran mejores actores (de cine) que Charles Laughton y Laurence Olivier. Y que Ginger Rogers y Marilyn Monroe eran mejores actrices (de cine) que Anna Magnani y Glenda Jackson. Siempre he creído que ésta era una de las diferencias capitales del cine con el teatro. Y pienso esto porque creo que una de las razones por las que se va al cine, por las que el cine ha sobrevivido, y lo seguirá haciendo, a todos sus competidores tecnológicos, por los siglos de los siglos, es porque al cine uno va a enamorarse"

(Fernando Trueba, Mi diccionario de cine)

pues apagad la música y a enamorarse...

video de vponce

Cine & Humo

2008-04-11T18:54:00.000+02:00

"Árbitro de fútbol: ¿Qué es lo que hace con ese puro en la boca?
Groucho Marx: ¿Conoce alguna otra manera de fumarlo? "
Plumas de caballo (Horse Feathers, Norman McCleod, 1932)

Los cigarrillos son el opuesto perverso de los puros: los puros son largos, los cigarrillos cortos, los puros son oscuros, los cigarrillos blancos, los puros son gruesos, los cigarrillos delgados, los puros huelen fuerte, los cigarrillos están perfumados, los cigarrillos son para los labios, los puros para la boca y los dientes, los cigarrillos nunca se apagan pero se extinguen rápidamente, mientras que los puros aparentan vivir para siempre, los puros son tipos rudos, los cigarrillos femeninos como las joyas, los cigarrillos se fuman sin parar, los puros deben fumarse uno cada cierto tiempo, con todo el ocio del mundo. Los cigarrillos pertenecen al instante, los puros son para la eternidad.
(Guillermo Cabrera Infante, Puro Humo)

Hubo un tiempo donde fumar no estaba tan mal visto como hoy en día y el cine nos dejó grandes escenas llenas de humo, donde Bogart, Dietrich, Wayne o Hepburn nos fascinaron con su manera de fumar y nos llenaron los ojos con el humo de sus cigarrillos. Muchos quisimos fumar sólo para ser como ellos. Y si no, apagad la maravillosa canción de Billie Holyday y ved como fumaba Marlene Dietrich en El expreso de Shanghai...

video de SergioOliver

CIGARRILLOS DE PELÍCULA

* Marlene Dietrich en El expreso de Shanghai (Shanghai express, Josef Von Sternberg, 1932)
* Humphrey Bogart en Casablanca (Casablanca, Michael Curtiz, 1942)
* Bette Davis en La extraña pasajera (Now, Voyager, Irving Rapper, 1942)
* Lauren Bacall en Tener y no tener (To Have and Have Not, Howard Hawks, 1944)
* Cary Grant en Encadenados (Notorius, Alfred Hitchcock, 1946)
* Ava Gardner en Forajidos (The killers, Robert Siodmak, 1946)
* Rita Hayworth en La dama de Shanghai (The Lady from Shanghai, Orson Welles, 1948)
* John Wayne en El hombre tranquilo (The quiet man, John Ford, 1952)
* Orson Welles en Sed de mal (Touch of evil, Orson Welles, 1958)
* Marcello Mastroianni en La Dolce Vita (Federico Fellini, 1960)

The End: Charlton Heston

2008-04-07T22:42:00.001+02:00

“Tengo una cara que corresponde a otro siglo”
Charlton Heston

Cuando todavía no había pasado la nube negra de tristeza por la muerte de Rafael Azcona y Richard Widmark, otro mito del celuloide nos dejaba este fin de semana. Charlton Heston fallecía a la edad de 84 años de una enfermedad degenerativa que le tenía aquejado desde el año 2002, cuando él mismo lo anunció en rueda de prensa, "Debo encontrar un punto de equilibrio entre el valor y la resignación”. Charlton Heston pertenece a la categoría de los más grandes actores del cine clásico, aquellos capaces de iluminar la pantalla con su sola presencia, aquellos que nos hicieron soñar y que convirtieron el cine en aquel refugio al que acudir para ser felices. Nunca un actor encarnó una cantidad tal de personajes tan grandiosos. Y ningún actor lo hubiera podido hacer mejor. Yo no me imagino ya otro rostro para Moises o Miguel Angel, que el de Charlton Heston, su figura imponente parecía surgida para este tipo de protagonistas.
Charlton Heston nació un 4 de octubre de 1924 en un pueblecito de Illinois y su nombre verdadero era John Charles Carter. De familia humilde, muy pronto descubre que quiere ser actor. Sus padres se separan antes de que él cumpla los diez años y su madre se casa de nuevo, Charlton tomará el apellido de su padrastro como nombre artístico. Ya en la universidad consigue una beca para estudiar arte dramático y conoce a la que será su esposa durante sesenta y cuatro años, hasta el día de su muerte. Con el paréntesis del ejército, Charlton se inicia en grupos de teatro y acaba en Broadway representando a Shakespeare en Marco Antonio. Entonces llama la atención de Hollywood y debuta con Dark City en 1950, a partir de ahi, Cecil B.De Mille le dará el empujón definitivo al ponerle al frente de su película "El mayor espectáculo del mundo" y después vendrán, "Los diez mandamientos", "Horizontes de grandeza" y "Ben-Hur" que le consagrarán como una estrella. Antes, en "Sed de mal" obligó a los productores a que fuese Orson Welles el que se hiciera cargo de la película y puso su empeño y dinero en sacarla adelante. Lo mismo le ocurriría años después con "Mayor Dundee" de Sam Peckinpah. Su filmografia seguirá sumando excelentes películas y grandes interpretaciones, "El Cid", "55 días en Pekin","El tormento y el éxtasis", "El planeta de los simios" o "Soylent Green". Así hasta 62 títulos. Kenneth Branagh le concedería un maravilloso homenaje reservándole el papel del actor que llega a la corte de su fastuoso Hamlet.
Sus pecados de senectud no han impedido que Charlton Heston ocupe con todo merecimiento un lugar privilegiado en el firmamento de los grandes actores clásicos, de los que nos enseñaron a amar el cine con mayúsculas. Poquito a poco se nos van apagando las estrellas de ese firmamento, y cada vez se hace mayor la oscuridad. Nos queda la luz de las candilejas, la luz que lo vuelve a iluminar todo cuando se enciende la pantalla del cine, nos quedan las películas que nos vuelven a llevar al lugar donde somos felices.
Descansa en paz Ben-Hur.

video de cyrano751

FILMOGRAFIA
1942 Peer Gynt de David Bradley
1949 Julius Caesar de David Bradley
1950 Dark City de William Dieterle
1952 El mayor espectáculo del mundo (The Greatest Show on Earth) de Cecil B.De Mille
1952 The Savage de George Marshall
1952 Pasión bajo la niebla (Ruby Gentry) de King Vidor
1953 La dama marcada (The President's Lady) de Henry Levin
1953 El triunfo de Bufalo Bill (Pony Express) de Jerry Hopper
1953 Hoguera de odios (Arrowhead) de Charles Marquis Warren
1953 Bad for Each Other de Irving Rapper
1954 Cuando ruge la marabunta (The Naked Jungle) de Byron Haskin
1954 El secreto de los Incas (Secret of the Incas) de Jerry Hopper
1955 Horizontes azules (The Far Horizons) de Rudolph Mate
1955 La guerra privada del Mayor Benson (The Private War of Major Benson) de Jerry Hopper
1955 Orgullo contra orgullo (Lucy Gallant) de Robert Parrish
1956 Los diez mandamientos (The Ten Commandments) de Cecil B.De Mille
1957 La ley de los fuertes (Three Violent People) de Rudolph Mate
1958 Sed de mal (Touch of Evil) de Orson Welles
1958 Horizontes de grandeza (The Big Country) de William Wyler
1958 Los bucaneros (The Buccaneer) de Anthony Quinn
1959 Misterio en el barco perdido (The Wreck of the Mary Deare) de Michael Anderson
1959 Ben-Hur de William Wyler
1961 El Cid de Anthony Mann
1962 Aventura en Roma (The Pigeon That Took Rome) de Melville Shavelson
1963 El señor de Hawai (Diamond Head) de Guy Green
1963 55 días en Pekin (55 Days at Peking) de Nicholas Ray
1965M La historia más grande jamás contada (The Greatest Story Ever Told) de George Stevens
1965 Major Dundee de Sam Peckinpah
1965 El tormento y el éxtasis (The Agony and the Ecstasy) de Carol Reed
1965 El señor de la guerra (The War Lord) de Franklin J. Schaffner
1966 Khartoum de Basil Dearden
1968 Una tumba al amanecer (Counterpoint) de Ralph Nelson
1968 El planeta de los simios (Planet of the Apes) de Franklin J. Schaffner
1968 El más valiente entre mil (Will Penny) de Tom Gries
1969 Number One de David Moessinger
1970 Julius Caesar de Stuart Burge
1970 Regreso al planeta de los simios (Beneath the Planet of the Apes) de Ted Post
1970 Los indomables (The Hawaiians) de Tom Gries
1971 El último hombre...vivo (The Omega Man) de Boris Sagal
1972 La selva blanca (Call of the Wild) de Ken Annakin
1972 Marco Antonio y Cleopatra (Antony and Cleopatra) de Charlton Heston
1972 Alarma! vuelo 502 secuestrado (Skyjacked) de John Guillermin
1973 Cuando el destino nos alcance (Soylent Green) de Richard Fleischer
1974 Los tres mosqueteros (The Three Musketeers) de Richard Lester
1974 Airport 1975 de Jack Smight
1974 Terremoto (Earthquake) de Mark Robson
1975 Los cuatro mosqueteros (The Four Musketeers) de Richard Lester
1976 Los últimos hombres duros (The Last Hard Men) de Andrew V. McLaglen
1976 La batalla de Midway (Midway) de Jack Smight
1976 Pánico en el estadio (Two-Minute Warning) de Larry Peerce
1977 El principe y el mendigo (The Prince and the Pauper) de Richard Fleischer
1978 Alerta roja: neptuno hundido (Gray Lady Down) de David Greene
1980 El valle de la furia (Mountain Man) de Richard Lang
1980 El despertar (The Awakening) de Mike Newell
1982 Duelo en las profundidades (Mother Lode) de Charlton Heston
1984 Fort Saganne de Alain Corneau
1985 Conflicto en Nairobi (Nairobi Affair) de Marvin J. Chomsky
1990 Solar Crisis de Richard C. Sarafian
1990 Almost an Angel de John Cornell
1993 Wayne's World 2 de Stephen Surjik
1993 Tombstone de George P. Cosmatos
1994 Mentiras arriesgadas (True Lies) de James Cameron
1995 En la boca del miedo (In the Mouth of Madness) de John Carpenter
1996 Alaska de Fraser Clarke Heston
1996 Hamlet de Kenneth Branagh
2001 El planeta de los simios (Planet of the apes) de Tim Burton

Cine de gangsters: Cuando el mundo era suyo

2008-04-04T16:01:00.000+02:00

"Hazlo antes, hazlo tú, y sigue haciéndolo tú”
(Scarface, 1932, Howard Hawks)

En Norteamérica, a principios de los años veinte, la llegada de la ley seca generó una delicuencia organizada compuesta por mafias de gangsters, encargadas de controlar la distribución del alcohol y del juego. Llegaron a tener tal poder que controlaban barrios enteros de las grandes ciudades. Como el cine siempre fue un espejo de la realidad, no tardaron en saltar a la pantalla estas bandas de delincuentes cuyos cabecillas encarnaron una especie de versión cainita del sueño americano. Rapidamente se establecieron unas características comunes para este nuevo género, los ambientes, los personajes y el desarrollo narrativo fijaron un esquema básico por el que se guiaron todas estas producciones (la rápida ascensión al poder y la no menos rápida caída del mismo con un destino fatal era el hilo argumental preferido) Actores nuevos, en su mayoría provenientes del teatro encarnaron a estos protagonistas, Edward G.Robinson, James Cagney, Paul Muny o Humphrey Bogart, dieron vida a los personajes más canallas que habitaron una pantalla de cine. La romántica fascinación por el mal, representada por estos antihéroes caló de tal manera, que en los primeros años treinta se realizaron más de 250 películas sobre el género. El implacable conservadurismo y la censura que impuso el Código Hayes a mediados de la década acabó con el reinado de estos personajes amorales del otro lado de la ley. Para entonces todos los gangsters reales estaban ya muertos o entre rejas. Y el duro gobierno conservador obligó a los estudios a convertirlos en los malvados de las películas y quitarles cualquier tipo de aureola. Los mismos actores que los encarnaron, tuvieron ahora que reconvertirse en severos representantes de la ley que peleaban contra los siniestros delincuentes que tan bien ellos mismos habían interpretado. La figura del gangster se convirtió en un personaje más simple y secundario de la nueva imaginería de ese género más amplio y con límites más difusos que sería el del cine negro y que se vertebró de manera especial a partir de este cine de gangsters primigenio. Tendrá que llegar Coppola con su sublime saga de El Padrino para reinventar el género ya en época moderna. Pero fue sin duda durante aquellos primeros años treinta cuando el mundo fue suyo, el mundo del celuloide les perteneció a ellos.
(Os dejo con un trocito de Public Enemy, 1931, con James Cagney & Jean Harlow)

video de astique333

FILMOGRAFÍA ESCOGIDA
1912 Los mosqueteros de Pig Alley (The musketeers of Pig Alley) de David W.Griffith
1927 La ley del hampa (Underworld) de Joseph von Sternberg
1928 Los muelles de New York (The Dock of New York) de Josef von Stenberg
1930 Hampa dorada (Little Caesar) de Mervin LeRoy
1931 El enemigo público (Public enemy) de William A.Wellman
1931 Las calles de la ciudad (City Streets) de Rouben Mamoulian
1932 Scarface, el terror del hampa (Scarface) de Howard Hawks
1935 Contra el imperio del crimen (G-Men) de William Keighley
1936 Bullets or Ballots de William Keighley
1936 El bosque petrificado (The Petrified Forest) de Archie L.Mayo
1938 Ángeles con caras sucias (Angels with dirty faces) de Michael Curtiz
1939 The roaring twenties de Raoul Walsh

Los Hermanos Marx

2008-03-30T19:37:00.000+02:00

Extracto de la entrevista a Groucho Marx por CHARLOTTE CHANDLER
original publicada por Playboy - 1974
Traducción: Herminia Bevia y Antonio Resines.
El País Semanal - Domingo, 10 de Mayo de 1998

-¿Cuáles son sus primeros recuerdos de la infancia? ¿Hasta qué punto eran ustedes pobres?
-Tanto que cuando alguien llamaba a la puerta nos escondíamos todos. Pagábamos un alquiler de 27 dólares al mes y éramos 10. Los cinco hermanos, mi padre y mi madre, mi abuelo y mi abuela y una hermana adoptada. Éramos 10 y sólo teníamos un cuarto de baño.

-Cuando aún era pobre, ¿qué creía que significaba ser rico?
-Solía pensar que ser rico significaba tener un montón de dinero. Ahora creo que significa tener un montón de dinero.

-Háblenos de sus padres
-Bueno, mi madre venía de Alemania, mi padre de Francia. Cuando conoció a mi madre ninguno de los dos entendía una palabra de lo que decía el otro, así que se casaron. Hablaban en alemán porque mi madre era la más fuerte de los dos. Mi padre no era demasiado culto. Mi madre tampoco, pero era más inteligente. Vivió el tiempo suficiente para ver cómo alcanzábamos el éxito en Broadway.

-¿Y su padre?
-Era un sastre procedente de Estrasburgo, el peor de la historia. Todos sus clientes eran fácilmente reconocibles: una de las perneras del pantalón era más corta que la otra.

-¿Quién les escribía los textos cuando empezaban?
-Lo hacía yo. Excepto en el caso de Harpo, que no decía nada.

-¿Conseguían hacer reír a la gente en aquellos tiempos?
-De vez en cuando. Especialmente cuando Zeppo salía a escena y decía : "Papá, ha llegado el hombre de la basura", y yo le contestaba: "Dile que no hoy no queremos". Otra vez Chico me estrechaba la mano y me decía: "Me gustaría decirle adiós a su esposa", y yo le respondía: "Y a mí también"

-¿Por qué no se reincorporó al grupo Gummo después de la guerra?
-No quería ser actor. Se metió en la industria de la confección. Recuerdo que Gummo tuvo un hijo llamado Bobby, y Bobby llegó un día a casa desde el colegio y su padre le preguntó: "¿Cómo te ha ido hoy en el colegio?". Y Bobby dijo: "Bueno, la profesora nos preguntó a todos quiénes eran nuestros padres, y yo le contesté: "Groucho Marx". Y Gummo le dijo: "¿Por qué le has dicho eso?". Y Bobby le respondió: "A ti no te conoce nadie".

-¿Cómo se conocieron usted y Chaplin?
-Pues verá, mis hermanos y yo estábamos actuando en Canadá, y Chaplin también. Trabajaba en un número llamado A night at the club . Era una representación muy divertida. Recuerdo que participaba una solterona enorme que solía cantar y, mientras lo hacía, Chaplin masticaba una manzana y le escupía las pepitas a la cara. El caso es que un día que estábamos en Winnipeg, mis hermanos se fueron a buscar unos billares donde matar tres horas antes de salir para la costa. Dado que yo no jugaba al billar, que no juego a las cartas ni hago apuestas, y sólo fumo ocasionalmente -justo lo suficiente para toser-, me fui a dar un paseo y pasé ante un teatro desvencijado, el Sullivan-Considine. Oí una carcajada estruendosa y pagué mis 10 centavos. Entré y allí, sobre el escenario, había un tipo pequeño andando en círculos de un modo un tanto peculiar. Era Chaplin. El mejor actor que he visto en mi vida. Todo pantomima.

-Circula el rumor de que usted y Harpo se presentaron una vez desnudos en una fiesta
-Eso fue cuando estábamos con I'll say she is (Y tanto que lo es) y nos invitaron a la despedida de soltero de un amigo que iba a casarse. Total, que Harpo y yo nos metimos en el ascensor y nos quitamos toda la ropa y la guardamos en unas maletas. Íbamos en pelota picada. Pero nos bajamos en el piso equivocado, donde la novia estaba celebrando una fiesta para sus amigas. Así que corrimos en cueros de un lado para otro hasta que apareció un camarero con dos trapos de cocina. Bueno, en mi caso, una toalla de baño.

-¿Tiene alguna favorita entre las películas que los Hermanos Marx hicieron para la MGM?
-“Una noche en la ópera”. Porque tiene escenas estupendas, escenas muy divertidas. Como la del camarote en el que me reúno con la señora Claypool, interpretada por Margaret Dumont. Tengo una cita con ella, y cuando llega a mi habitación salen de ella 14 personas. Disfruté de todas mis escenas románticas con Margaret Dumont. Era una mujer maravillosa. Era la misma fuera del escenario que encima de él, una matrona estirada y muy digna. Y lo más gracioso de todo es que nunca comprendió los chistes.

video de zalagarda

FILMOGRAFIA
1929 Los cuatro cocos (The Cocoanuts) de Joseph Santley y Robert Florey
1930 El conflicto de los Marx (Animal Crackers) de Victor Heerman
1931 Pistoleros de agua dulce (Monkey Business) (1931) de Norman Z. McLeod
1932 Plumas de caballo (Horse Feathers) de Norman Z. McLeod
1933 Sopa de ganso (Duck Soup) de Leo McCarey
1935 Una Noche en la Ópera (A Night at the Opera) de Sam Wood
1937 Un día en las carreras (A Day at the Races) de Sam Wood
1938 El hotel de los líos (Room Service) de William A. Seiter
1939 Una tarde en el circo (At the Circus) de Edward Buzzell
1940 Los Hermanos Marx en el Oeste (Go West) de Edward Buzzell
1941 Tienda de locos (The Big Store) de Charles Reisner
1946 Una noche en Casablanca (A Night in Casablanca) de Archie L. Mayo
1949 Amor en conserva (Love Happy) de David Miller

The End: Richard Widmark

2008-03-27T21:58:00.000+01:00

Otro mito de la pantalla que nos ha dejado. Richard Widmark falleció el lunes a la edad de 93 años. Nadie tuvo un debut tan arrollador como él, su risa y su mirada encarnando al psicópata asesino de "El Beso de la muerte", se quedó grabada a fuego en la retina de todos los amantes del cine. Su físico, su carisma y su personalidad le convirtieron en un icono del cine negro y del Western. Trabajó para los directores más grandes porque él también era uno de los más grandes. Pertenece a esa casta de actores que nunca estuvieron mal en ninguna de las películas que hicieron. Su lugar en el firmamento del celuloide es sin duda tan justo como indiscutible. Como siempre que muere un actor no se muere del todo porque nos queda en sus películas, disfrutémosle de nuevo en todo su esplendor. Os dejo con la escena mítica de "El beso de la muerte" (Henry Hathaway, 1947)

video de jaimelowereastside

FILMOGRAFÍA ESCOGIDA
1947 El beso de la muerte (Kiss of Death) de Henry Hathaway
1948 Cielo amarillo (Yellow Sky) de William A. Wellman
1948 La calle sin nombre (The Street with No Name) de William Keighley
1948 El parador del camino (Road House) de Jean Negulesco
1950 Situación desesperada (Halls of Montezuma) de Lewis Milestone
1950 Un rayo de luz (No Way Out) de Joseph L. Mankiewicz
1950 Pánico en las calles (Panic in the Streets) de Elia Kazan
1950 Noche en la ciudad (Night and the City) de Jules Dassin
1952 Cuatro páginas de la vida (O. Henry’s Full House) de Henry Hathaway
1952 Niebla en el alma (Don’t Bother to Knock) de Roy Ward Baker
1953 Hombres de infantería (Take the High Ground!) de Richard Brooks
1953 Manos peligrosas (Pickup on South Street) de Samuel Fuller
1953 Tempestad en Asia (Destination Gobi) de Robert Wise
1954 El diablo de las aguas turbias (Hell and High Water) de Samuel Fuller
1954 Lanza rota (Broken Lance) de Edward Dmytryk
1954 El jardín del diablo (Garden of Evil) de Henry Hathaway
1955 La tela de araña (The Cobweb) de Vincente Minnelli
1956 La ley del Talión (The Last Wagon) de Delmer Daves
1956 El sexto fugitivo (Backlash) de John Sturges
1956 Huida hacia el sol (Run for the Sun) de Roy Boulting
1957 Santa Juana (Saint Joan) de Otto Preminger
1958 Mi marido se divierte (The Tunnel of Love) de Gene Kelly
1958 Desafío en la ciudad muerta (The Law and Jake Wade) de John Sturges
1959 El hombre de las pistolas de oro (Warlock) de Edward Dmytryk
1960 El Álamo (The Alamo) de John Wayne
1961 Vencedores o vencidos (Judgment at Nuremberg) de Stanley Kramer
1961 Dos cabalgan juntos (Two Rode Together) de John Ford
1962 La conquista del Oeste (How the West Was Won) de John Ford
1964 El gran combate (Cheyenne Autumn) de John Ford
1964 Patrulla de rescate (Flight from Ashiya) de Michael Anderson
1965 El Incidente Bedford (The Bedford Incident) de James B. Harris
1966 Alvarez Kelly (Alvarez Kelly) de Edward Dmytryk
1967 Camino de Oregón (The Way West) de Andrew V. McLaglen
1968 La brigada homicida (Madigan) de Don Siegel
1969 La ciudad sin ley (Death of a Gunfighter) de Don Siegel
1970 El infierno del whisky (The Moonshine War) de Richard Quine
1972 Cuando mueren las leyendas (When the Legends Die) de Stuart Millar
1974 Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express) de Sidney Lumet
1977 Montaña rusa (Rollercoaster) de James Goldstone
1977 De presidio a primera página (The Domino Principle) de Stanley Kramer
1977 Alerta: misiles (Twilight’s Last Gleaming) de Robert Aldrich
1978 El enjambre (The Swarm) de Irwin Allen
1978 Coma (Coma) de Michael Crichton
1979 Operación Isla del Oso (Bear Island) de Don Sharp
1982 Hanky Panky (Hanky Panky) de Sidney Poitier
1982 S.A.S. Los invencibles (Who Dares Wins) de Ian Sharp
1984 Contra todo riesgo (Against All Odds) de Taylor Hackford
1987 Viejos recuerdos de Louisiana (A Gathering of Old Men) de Volker Schlöndorff
1988 Texas Tren (Once Upon a Texas Train) de Burt Kennedy
1989 Un lugar llamado Cold Sassy (Cold Sassy Tree) de Joan Tewkesbury
1991 El color de la ambición (True Colors) de Herbert Ross
1996 Wild Bill: Hollywood Maverick (Wild Bill: Hollywood Maverick) de Todd Robinson

The End: Rafael Azcona

2008-03-25T23:01:00.000+01:00

Ayer murió a la edad de 81 años una de las más grandes personalidades del cine español, el guionista Rafael Azcona. Suyos son los maravillosos guiones de las obras maestras de Berlanga (Plácido, El Verdugo, La Escopeta Nacional), de Ferreri (El Pisito, El Cochecito) o de extraordinarias películas como Belle Époque o La Lengua de las Mariposas. Empezó como poeta, escritor y ejerciendo el humor gráfico en revistas como La Codorniz, donde fue el creador de personajes como el repelente niño Vicente. De la mano de Marco Ferreri entró en el cine para convertirse en el mejor guionista de la época y de todas las épocas del cine español. «Escribo guiones porque me resulta más fácil que escribir novelas» confesaba Azcona. Ganador de cinco Goyas: El bosque animado (1988), Ay, Carmela! (1991) Belle Époque (1993), Tirano Banderas (1994) y La lengua de las mariposas (2000), así como del Premio Nacional de Cinematografía (1982) o la Medalla de Oro de las Bellas Artes (1994). Se nos ha marchado el mejor escritor cinematográfico, nos quedan los mejores diálogos de la historia del cine español porque los escribió todos él.
Os dejo con una escena de El Verdugo (L.G.Berlanga, 1963))

video de ArchivodeArganda

Filmografía
El pisito (1958)
Se vende un tranvía (1959)
El cochecito (1960)
El secreto de los hombres azules (1960)
Le italiane e l'amore (1961)
Plácido (1961)
Il mafioso (El poder de la mafia) (1962)
La muerte y el leñador [episodio de Les quatre vérités] (1962)
Una storia moderna: l'ape regina (1963)
El verdugo (1963)
La donna scimmia (Se acabó el negocio) (1963)
Un rincón para querernos (1964)
Il profesore [sketch de Controsesso] (1964)
Una moglie americana (Una esposa americana) (1965)
L'uomo dei cinque palloni [sketch de Oggi, domani e dopo-domani] (1965)
Break up [versión completa de L'uomo dei cinque palloni] (1965)
Marcia nuziale (1966)
L'estate (1966)
Il fischio al naso (¡Qué dulce es morir así!) (1967)
L'harem (1967)
Peppermint frappé (1967)
La boutique (Las pirañas) (1967)
Tuset street (1968)
Los desafíos (1969)
La madriguera (1969)
¡Vivan los novios! (1970)
Las secretas intenciones (1970)
El jardín de las delicias (1970)
El monumento (1970)
El ojo del huracán (1971)
Un omiccidio perfecto a termini di legge (Homicidio al límite de la ley) (1971)
L'udienza (La audiencia) (1971)
La cera virgen (1972)
Si può... fare, amico (En el oeste se puede hacer... amigo) (1972)
Tarots (Ángela) (1972)
Una razón para vivir y una para morir (1972)
Ana y los lobos (1973)
La grande bouffe (La gran comilona) (1973)
Permette, signora, che ami vistra figlia? (1974)
Tamaño natural (1974)
Instant coffee (Malos pensamientos) (1974)
El poder del deseo (1974)
La prima Angélica (1974)
Touche pas la femme blanche (No tocar la mujer blanca) (1974)
Alla mia cara mamma nel giorno del suo compleanno (1974)
La revolución matrimonial (1974)
La adúltera (1975)
Pim, pam, pum... ¡Fuego! (1975)
L'ultima donna (La última mujer) (1976)
El anacoreta (1976)
Mi hija Hildegart (1977)
Una noche embarazosa (Il Pupazzo) (1977)
Ciao, maschio (Adiós al macho) (1978)
La escopeta nacional (1978)
Un hombre llamado Flor de Otoño (1978)
La miel (1978)
La familia bien, gracias (1979)
El divorcio que viene (1980)
Patrimonio nacional (1980)
127 millones libres de impuestos (1981)
Puente aéreo (1981)
Bésame, tonta (1981)
Nacional III (1982)
La vaquilla (1984)
La corte de Faraón (1985)
Hay que deshacer la casa (1986)
El año de las luces (1986)
El pecador impecable (1987)
El bosque animado (1987)
Moros y cristianos (1987)
Soldadito español (1988)
Y'a bon les blancs (Los negros también comen) (1988)
Pasodoble (1988)
Sangre y arena (1989)
El vuelo de la paloma (1989)
¡Ay, Carmela! (1990)
Chechu y familia (1992)
Belle Époque (1992)
Tirano Banderas (1993)
El rey del río (1994)
El seductor (1995)
Suspiros de España (y Portugal) (1995)
Gran Slalom (1995)
La Celestina (1996)
Tranvía a la Malvarrosa (1996)
En brazos de la mujer madura (1997)
Pintadas (1997)
Siempre hay un camino a la derecha (1997)
Una pareja perfecta (1997)
La niña de tus ojos (1998)
La lengua de las mariposas (1999)
Adiós con el corazón... (2000)
El paraíso ya no es lo que era (2001)
Son de mar (2001)
La marcha verde (2001)
María querida (2004)

Trilogía mexicana

2008-03-24T21:43:00.000+01:00

"Creo que nuestro famoso "libre albedrio"es muy relativo. Nuestra libertad y control sobre los eventos es mínima comparada con la inagotable cantidad de accidentes que suceden a nuestro alrededor y que nos definirán tarde o temprano. Yo si creo que hay un gran destino, alguien que está escribiendo nuestra historia y dentro de ésta sólo podemos en ocasiones improvisar un par de lineas y acciones. Parece como si fuéramos siempre ese mismo personaje que nos fue asignado en donde solo cambian los escenarios"

Alejandro González Iñárritu

El mexicano Alejandro González Iñárritu ha sido el responsable de una excepcional trilogía de películas que empezó con Amores Perros en el 2000, pasó por 21 gramos en el 2003 y se cerró con Babel en el 2006. Apoyándose en un mismo equipo de trabajo, coronados por el guionista Guillermo Arriaga, autor de los tres guiones, han sido sin duda de lo mejor y más interesante que hemos visto en el cine actual. Son historias entrelazadas y llenas de personajes complejos, situaciones inesperadas y un desarrollo alambicado y sorprendente que lo conjuga todo. Veremos a ver que nos depara el futuro, ahora que el director Iñárritu y el guionista Arriaga anunciaron que seguirán cada uno por caminos distintos... Os dejo con el trepidante comienzo de su primera película Amores Perros.

video de tzohto

FILMOGRAFÍA
2000 Amores perros
2002 11'09'01'
2003 21 gramos
2006 Babel

SEMANA DE PASIÓN

2008-03-20T17:37:00.000+01:00

Semana para revisitar la figura de Jesús a través de los ojos del cine. Su historia es tan cinematográfica que se ha convertido en el personaje sobre el que se han hecho más películas después de Sherlock Holmes. A veces de manera más ortodoxa y austera, otras con mayor espectacularidad y elegancia, y en muchos casos con amplias dósis de polémica, la figura de Cristo ha sido una de las más fascinantes para el universo cinematográfico.
Ya en Intolerancia, 1916, D.W.Griffith le dedica uno de los cuatro capítulos de su prodigiosa película. Cecil B. De Mille lo convertirá después en el protagonista de su superproducción muda Rey de reyes, 1927, una de las películas más vistas de la época. Será en los años sesenta cuando Hollywood se deje seducir en mayor medida por la figura de Jesús y nos encontramos con el remake sonoro de Rey de reyes, 1961, versión preciosista del incorformista Nicholas Ray protagonizada por Jeffrey Hunter o la también clásica y muy pictórica adaptación que hace George Stevens en La historia más grande jamás contada, donde Max Von Sydow da vida a Jesucristo. También en estos años hace Pasolini su minimalista y austera El evangelio según San Mateo, con actores desconocidos y cámara en mano. Los años setenta nos traen una versión mucho más rebelde, moderna y contestataria de Cristo con el Jesucristo Superstar de Norman Jewison de 1973 basada en el musical de Lloyd Weber. Y Zeffireli realiza en 1977 una producción para la televisión británica con todo un elenco de figuras y Robert Powell de protagonista, que quedaría tan estigmatizado tras este papel que apenas volvió a realizar películas de relevancia. Esta versión es la que cuenta con un mayor reconocimiento y agrado en las autoridades y comunidad cristiana. Los ochenta nos traerán la polémica adaptación de Scorsese del libro de Kazantzakis, La última tentación de Cristo, con un Jesús más mundano, pasional y dubitativo. Y la última película importante que se ha realizado sobre el tema fue la no menos polémica, La pasion de Cristo de Mel Gibson, cuya obsesiva fidelidad histórica la hizo ser criticada por su violencia y antisemitismo.
Esta claro que la figura de Jesús resulta muy atractiva para el cine y su protagonismo se renueva sobre todo en estas fechas. Os dejo con la escena de la crucifixión de la pelicula de Zeffirelli.
Que tengais justas penitencias y mejores pasiones.

video de Teofil1923

FILMOGRAFIA SELECCIONADA

1916 Intolerancia (Intolerance, USA) D.W.Griffith
1927 Rey de reyes (King of kings, USA) Cecil B.De Mille
1961 Rey de reyes (King of kings, USA) Nicholas Ray
1964 El evangelio según San Mateo (Il Vangelo secondo Matteo, Italia) Pier Paolo Pasolini
1965 La Historia más grande jamás contada (The Greatest story ever told, USA) George Stevens
1974 Jesucristo Superstar (Jesus Christ Superstar, USA) Norman Jewison
1978 Jesús de Nazareth (Jesus of Nazareth, GB) Franco Zeffirelli
1988 La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ, USA) Martin Scorsese
2004 La pasión de Cristo (The Passion of the Christ, USA) Mel Gibson

The End: Anthony Minghella

2008-03-18T23:28:00.001+01:00

Hoy ha fallecido el director de cine británico Anthony Minghella.
Al parecer unas complicaciones tras una operación quirúrgica a raíz de un cáncer de cuello han sido la causa de su muerte. Tenía 54 años. Su corta filmografía no le ha impedido convertirse en uno de los directores más destacables del panorama actual, sobre todo a raiz de ganar el oscar en 1996 por El Paciente Inglés. Guionista, productor y director, trabajó en televisión, en teatro, cine e incluso se encargó de poner en escena una Madama Butterfly en el MET en el 2006.
Adiós a un estupendo director de cine. Nos quedan sus películas. Os dejo con una escena de El Paciente Inglés.

video de infreakystranger

FILMOGRAFÍA
1991 Truly, Madly, Deeply
1994 Un marido para mi mujer (Mr.Wonderful)
1996 El paciente inglés (The english patient)
1999 El talento de Mr.Ripley (The talented Mr.Ripley)
2003 Could Mountain
2006 Breaking and Entering

Los idus de marzo

2008-03-15T21:57:00.000+01:00

En el calendario romano, los idus eran días de buenos augurios que tenían lugar el día 13 de cada mes, salvo en marzo, mayo, julio y octubre que eran el día 15.
En marzo del año 44 aC, César era dictador vitalicio de la República de Roma y la mayoría de los senadores pompeyanos veían en él un futuro emperador con poder único que privaria al Senado de toda su relevancia. Así que tramaron una conspiración para acabar con su vida. César fue advertido por un adivino llamado Espurina que se guardara de los idus de marzo. Su mujer Calpurnia soñó la noche anterior que César iba a ser asesinado e intentó impedirle que fuera al Senado ese día, pero él no lo consintió. De camino al Senado se encontró de nuevo al adivino al que le dijo riéndose "Los idus de marzo ya han llegado y sigo vivo", a lo que el adivino respondió "Sí, pero todavía no se han ido". Ya en el Senado se consumó el asesinato, cada uno de los conspiradores, entre los que estaba su ahijado Bruto, le asestó una puñalada hasta un total de 23. César fue a morir bajo la estatua de su enemigo Pompeyo tapándose la cara con la túnica para que no pudieran ver su rostro enfrentándose a la muerte.
Sobre el 1599, William Shakespeare escribió su clásica tragedia basándose en la recreación de estos hechos. Y en 1953, John Houseman, que había sido el productor de esta obra en Broadway en 1937 con el Mercury Theatre de Orson Welles, se hace cargó de la producción de la adaptación cinematográfica de la obra para la MGM y Joseph Leo Mankiewicz se ocupará de la dirección de un extraordinario elenco de actores: James Mason como Bruto, Louis Calhern como César, John Gielgud es Cassius (para curiosos decir que Gielgud repetiría en la nueva adaptación cinematográfica de la obra que se hizo en 1970 dirigida por Stuart Burge, aunque en este caso haciendo de Julio César, el papel de Marco Antonio lo hacía Charlton Heston), Edmond O'Brien como Casca, Greer Garson es Calpurnia, Deborah Kerr es Portia y la guinda la ponía Marlon Brando como Marco Antonio. Brando acaparaba en aquella época toda la fama y los premios, sus aclamadas interpretaciones en Un tranvía llamado deseo y Viva Zapata, amén de su carisma personal, le habían convertido en el actor más importante del momento y enfrentarse a Shakespeare era toda una reválida. Mankiewicz quiso que fuera Brando a pesar de las dudas de muchos sobre su capacidad para un papel de esa altura. Brando se preparó a conciencia, escuchó grabaciones de actores británicos declamando a Shakespeare en el teatro para alcanzar una pronunciación adecuada. "Aunque los actores ingleses por lo general son muy superiores a los norteamericanos en el estilo, la lengua y por su familiaridad con Shakespeare, muchos actores británicos no son mejores que nosotros en las obras de este autor" decía Brando. Mankiewicz consiguió una espléndida y rigurosa adaptación de la obra de Shakespeare y Brando nos regaló otra vez una de sus magníficas actuaciones. Podeis apagar la música y comprobarlo.

video de ekadasarudra

JULIO CÉSAR
(Julius Caesar)
USA. 1953. MGM
Director: Joseph L. Mankiewicz
Productor: John Houseman
Guión: Joseph L. Mankiewicz sobre la obra clásica de W. Shakespeare
Fotografía: Joseph Ruttenberg
Música: Miklós Rózsa
Reparto: Marlon Brando, James Mason, John Gielgud, Louis Calhern, Edmond O'Brien, Greer Garson, Deborah Kerr, Georges Macready, Michael Pate, Richard Hale, Alan Napier, John Hoyt, Tom Powers, William Cottrell, Jack Raine, Ian Wolfe, Douglas Watson.
B/N. 117 minutos

Cine Silente

2008-03-13T23:54:00.000+01:00

“Creo que las películas mudas habían alcanzado un desarrollo, una madurez artística que les permitía explicar visualmente el más sutil de los sentimientos, de los problemas o de las reacciones sin necesidad de palabras o subtítulos. Hemos perdido una experiencia estética pura como era la visión de un film mudo con música en directo. Además, era una experiencia universal, sin ningún tipo de cambio; todos los habitantes de la tierra, desde los esquimales hasta los africanos, se reían con un film de Charles Chaplin. Con el sonido y con el lenguaje oral, apareció una brecha y ahora mucha gente no puede seguir un film si no entiende los diálogos. Por lo tanto, deben añadirse subtítulos o recurrir al doblaje, lo que, por supuesto, es una contaminación de la obra original.
Por último, como es más fácil poner algunas ideas en palabras que en imágenes, los filmes han sufrido una pérdida de expresividad visual"

Fred Zinnemann

Sin duda alguna el cine mudo nos dió un buen puñado de obras maestras y muchísimas grandes películas, pero yo quiero traeros a esta salita de cine, un trozo de una de las películas de aquella época que ha pasado a las páginas de oro de la historia del cine. Es "Amanecer" de F.W. Murnau. El productor William Fox había quedado deslumbrado cuando vió las películas de Murnau en Alemania, especialmente "El Último", y se apresuró a ficharlo para traerlo a Hollywood. El resultado de ésta, su primera película americana, fue una auténtica obra maestra. Sobre un guión moralista y simplón, construye Murnau una hermosísima película llena de lirismo y de una estética visual maravillosa. Una auténtica joya. Tiene tanta fuerza en sus imágenes, que el propio Murnau quiso estrenarla sin titulos, pero los productores le obligaron a ponerlos. Os pongo uno de los trozos más interesantes de la película, cuando el campesino es seducido por la vampiresa y le propone su terrible plan (creo que la película está entera en youtoube por si no la habéis visto)
Lamentablemente la carrera de Murnau se truncó en un accidente de coche en 1931, pero su fallecimiento tan temprano, a los 43 años, no impidió que se convirtiera en uno de los directores más importantes para todos los que amamos el cine. Apagad la música y a disfrutar.

video de silentfilmdemocracy

AMANECER
(Sunrise)
USA, 1927
20th Century Fox
Director: F.W. Murnau
Productor: William Fox
Ayudante de dirección: Hermann Bing
Guión: Carl Mayer
Fotografía: Charles Rosher, Karl Struss
Montaje: Harold D. Schuster
Música: Hugo Riesenfeld
Efectos Especiales: Franx Williams
Reparto: George O'Brien, Janet Gaynor, Margaret Livingston, Bodil Rosing, J. Farrell MacDonald, Ralph Sipperly, Jane Winton, Arthur Housman, Eddie Boland.
B/N. 105 minutos

El arte del melodrama

2008-03-10T23:02:00.000+01:00

" La forma más sublime y completa del espectáculo es el melodrama. Es en el melodrama donde convergen la palabra, el canto, la música, la danza y la escenografía. Es en el melodrama donde yo siento la independencia del arte"

Luchino Visconti

Video de PincopalloOOOOO

EL GATOPARDO
(Il Gattopardo)
1963. Italia/Francia
Titanus, Société Nouvelle Pathé Cinéma, S.C.G.
Dirección: Luchino Visconti
Producción: Goffredo Lombardo y Pietro Notarianni
Diseño de Producción: Mario Garbuglia
Guión: Pasquale Festa Campanile, Enrico Medioli, Massimo Franciosa, Luchino Visconti, Suso Cecchi d'Amico según la novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa
Fotografia: Giuseppe Rotunno
Música: Nino Rota
Montaje: Mario Serandrei
Vestuario: Piero Tosi
Decorados: L.Hercolani y Giorgio Pes
Reparto: Burt Lancaster, Claudia Cardinale, Alain Delon, Serge Reggiani, Mario Girotti, Pierre Clementi, Paolo Stoppa, Rina Morelli, Romolo Valli, Giuliano Gemma, Terence Hill.
Color/ 205 minutos